Ei fu, siccome immobile…

Quanti di noi, oggi, hanno citato le imperiture parole del Manzoni, pensando al fatto che è il 5 maggio? Inevitabilmente, automaticamente quasi, è impossibile non pensare a Napoleone.

Ebbene, a due anni dalla celebrazione avutasi in Brera per la prima esposizione del calco in gesso ritrovato, è possibile ammirare ancora la statua in tutta la sua magnificenza.

Napoleone come Marte pacificatore: erano 5 i calchi voluti da Canova.

La classicità a lui cara a è evidente e immediata, quasi urgente: Napoleone è nudo, solo la clamide militare sulla spalla. Con la sinistra sorregge un’asta, con la destra un globo, base di una Nike -vittoria- alata, perduta. Per l’armonia fisica più che un guerriero ricorda un’atleta.

«A Parigi la statua sarà criticata senza pietà: avrà i suoi difetti certamente, sopra gli altri avrà la disgrazia di essere moderna e di un italiano», profeticamente annunciava Canova.

Così fu. Il nudo era troppo reale persino per quell’imperatore che “arbitro s’assise in mezzo a due secoli”.

Il destino delle statue legato alle sorti del condottiero. Dopo Waterloo, l’originale venne donato a lord Wellington, il vincitore.  “Il bronzo” (voluto per Milano dal Vicere d’Italia) e “il gesso” (acquistato per la stessa Accademia di Brera nel 1809, voluta da Napoleone), per la legge della damnatio memoriae (cancellare ogni memoria per i posteri), rimossi e dimenticati.
Nel 1859 venne recuperato “il bronzo” (oggi nel giardino di Brera).  Il calco, invece, solo nel novembre del 2008 fu affidato al restauro.

Un tributo perenne per uno dei più grandi condottieri che ha scritto parte della storia dell’Italia.

Sì, per Milano e non solo, Ei è ancora.

Pinacoteca di Brera, Sala XV
via Brera, 28 – Milano

Orari 8.30-19.15 da martedì a domenica
Biglietti: € 10,00 intero; € 7,50 ridotto; Abbonamento Bicentenario € 20,00:
www.brera.beniculturali.it

Ha riaperto, non senza polemiche, il complesso scultoreo “I Bagni Misteriosi” di Giorgio De Chirico. Grazie all’intervento di restauro voluto dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, l’opera ha ripreso l’antico splendore ed è di nuovo visibile all’interno del Parco Sempione.

Il complesso scultoreo de “I Bagni Misteriosi” venne realizzato dall’ingegnere Giulio Macchi su progetto di Giorgio De Chirico nel 1973 all’interno del Parco Sempione, in occasione della mostra “Contatto Arte/Città”, organizzata durante la quindicesima edizione della Triennale di Milano. L’opera è, stata poi regalata al Comune di Milano dal Presidente A.R.P.A.I (Associazione per il restauro del patrimonio artistico italiano), il Conte Paolo Marzotto.

Dopo i lavori del 1997, che si limitarono a preservare le sculture, il Comune di Milano ha avviato un massiccio intervento di restauro, iniziato nel 2008, intervento che ha portato al consolidamento, al risanamento, alla protezione delle sculture e alla ricostruzione del tessuto cromatico (grazie anche al contributo di Mapei che ha finanziato interamente l’operazione, e ha fornito i materiali per il restauro) .

La scultura dei Bagni Misteriosi era stata studiata per un breve soggiorno all’interno dei giardini della triennale e, per la sua realizzazione, non ci si preoccupò di scegliere un tipo di materiale abbastanza resistente all’incuria del tempo. Venne utilizzata la cosiddetta “pietra di Vicenza”, un calcare particolarmente ricco di conchiglie fossili, facilmente modellabile ma estremamente fragile e deteriorabile. La scelta nel tempo si rivelò sbagliata, visto che rende l’opera particolarmente vulnerabile al tempo e alle condizioni atmosferiche.

De Chirico colse l’occasione dell’inaugurazione della Triennale per regalare alla città un angolino dei suoi ricordi di bambino. L’enigma presto svelato, fu il voler portare a Milano un po’ del suo mare, quel mare che, per lui, era il più bello del mondo.

L’opera di De Chirico è composta da diversi elementi: due nuotatori, un cigno, una palla, una cabina, un trampolino e una fonte. Il fondo, circoscritto da un profilo curvilineo, è completato da una trama pittorica che simula il fluire di onde in una corrente.

I busti dei due nuotatori sono gli unici elementi dell’opera non ancora restaurati. Su interessamento della Fondazione De Chirico, nel mese di marzo, due copie verranno sostituite agli originali e saranno trasferiti per essere custoditi all’interno del Museo del ‘900. Proprio il mancato restauro dei due nuotatori (tra l’altro l’unica parte dell’opera realizzata dallo stesso De Chirico) e la sostituzione con le copie non ha avuto l’approvazione del’ex assessore alla cultura Vittorio Sgarbi (che si era occupato di trovare i finanziamenti per attuare il restauro).

L’opera è visibile presso i giardini della Triennale di Milano (viale Alemagna 6) il sabato e la domenica, dalle ore 10.30 alle ore 17.00, con ingresso gratuito.

Un uomo, a petto nudo, che faticosamente avanza su una stretta lastra di metallo in salita, trasportando con fatica dei tubi luminosi. Diciassette, per la precisione.

E’ questa, la particolare figura che appare nella piazzetta di Via Vivaio antistante a Palazzo Isimbardi, la sede della Provincia di Milano. Si tratta di un’opera dell’artista spagnolo Bernardì Roig, voluta dalla Triennale di Milano e dalla stessa Provincia, non solo per un mero gusto artistico. L’uomo della Luce, è una statua dal preciso compito: ricordarci cioè delle vittime del terrorismo, in tutte le sue incarnazioni.

Inaugurata nel 2008, dopo un sondaggio pubblico per deciderne la collocazione, è sicuramente un’opera che colpisce tanto chi se ne imbatte senza motivo, quanto gli osservatori più attenti e curiosi. Il colore bianchissimo della figura umana protagonista (un calco di una vera persona) che contrasta con il metallo scuro sul quale cammina, e le diciassette luci che illuminano non il suo percorso, ma la sua schiena. Diciassette luci sempre accese, ad eccezione del 9 maggio. La giornata dedicata alle vittime del terrorismo, durante la quale le luci si spengono, per consentire la proiezione sulla parete di Palazzo Isimbardi un filmato con protagonista lo stesso modello umano della statua, che cammina faticosamente, trasportando i suoi  fasci di luce.

Foto di Sandro Giannelli

Le Cinque Giornate di Milano, i fatidici giorni tra il 18 ed il 23 marzo 1848 nei quali la popolazione della città si ribellò alla dominazione austro-ungarica, possono essere considerate a pieno titolo tra i principali momenti della storia cittadina. Non poteva mancare, nella piazza dedicata a quello storico evento, un monumento che li ricordasse.
Costruito da Giuseppe Grandi, scultore e pittore che del movimento degli scapigliati, tra il 1881 ed il 1895, l’opera è considerata il suo capolavoro.

L’elemento principale del monumento è costituto da un alto obelisco celebrativo, sul quale sono incisi i nomi dei milanesi che si sacrificarono durante la rivolta, attorniato da una serie di figure. In particolare, cinque personaggi femminili, plasmate ispirandosi alle fattezze di alcune famose modelle dell’epoca, ognuna a simboleggiare le cinque diverse giornate dell’insurrezione. Accanto ad esse si possono poi notare alcune figure zoomorfe: le più significative e famose sono quella di un’aquila ed un leone, animali che lo scultore si fece portare dall’estero, pur di poter avere dal vivo dei veri modelli da riprodurre il più fedelmente possibile.

A proposito del felino utilizzato come modello per quello raffigurato sul monumento, circolano diverse storie: si dice infatti che il povero Borleo – questo il nome del leone – sia stato in tutti i modi stuzzicato e tormentato dallo scultore, che avrebbe cercato di provocarlo per poterlo poi riprodurre in una posa più aggressiva e potente di quella che invece si è visto costretto a scegliere, e che oggi è possiible ammirare in Piazza Cinque Giornate. Un posizione accucciata, stanca e quasi sofferente, che si dice sia dovuta all’ennesima trovata di Grandi, ossia aver somministrato un potente clistere a Borleo.

Foto di Sandro Giannelli

Passando da Largo Marinai d’Italia, non può certo passare inosservata – grazie anche ai suoi 4 metri di altezza – una statua in bronzo, raffigurante due persone perse in un abbraccio.

L’effetto è catalizzante, l’abbraccio è coinvolgente e invita a sospiri e riflessioni. Cultura popolare la chiama “Liberty d’amore” (forse per la prossimità alla palazzina Liberty).

Non tutti sanno però che la statua non rappresenta due giovani innamorati. La statua racconta l’amore, sì, ma declinato in un’accezione che forse è oggi dimenticata, trascurata, abbandonata.

Un indizio: la statua realizzata dalla scultrice italo-ungherese Eva Olàh è dedicata a Vittorio Formentano, fondatore dell’ AVIS, e a tutti i donatori di sangue.

L’abbraccio, quindi,  rappresenta l’atto d’amore più grande. L’amore per il prossimo. Quando si dona, senza avere nulla in cambio che non sia la felicità del donare stesso.

La scultrice è riuscita a raccontare il vero aspetto di un’azione dalla difficile rappresentazione. Niente richiami o rimandi al sangue, alla pratica della trasfusione, al dettaglio materico. Ma solo l’effetto. Lo spirito che anima chi dona e chi riceve.

Ed ecco che allora la donna stringe l’uomo che a sua volta accetta questo contatto e si abbandona al conforto, alla rassicurazione.

Una particolarità: i piedi richiamano la stretta e sottolineano il possesso. Sembrano quasi mani che si intrecciano, gli uni posti sotto gli altri. Quasi a voler fermare qualcuno che possa tutto sommato andare via…

Al donatore di sangue
Eva Olah Arrè 1994
Largo Marinai d’Italia – corso XXII Marzo

Foto: Sandro Giannelli

La “colonna infame”, è stato per anni un monumento-non monumento. Un ricordo, vivo nell’immaginario collettivo e capace di farci venire in mente Alessandro Manzoni, i suoi Promessi Sposi e la peste che aveva colpito Milano attorno al 1630, ma non più legato ad un vero manufatto.

Vale allora la pena rinfrescare la famosa storia della “colonna infame”: come ricordano gli storici, la “colonna infame” era stata eretta nel 1630, durate i convulsi giorni della terribile peste che riuscì a dimezzare la popolazione milanese. La necessità di cercare un capro espiatorio contro il quale scagliarsi e additare come colpevole per tutte quelle insensate morti, era fortissima. Ne fecero così le spese quelle persone che vennero loro malgrado riconosciute come “untori”, figure nate dall’isteria popolare che si credeva agevolassero la diffusione della malattia spargendo liquami infetti per la città.
Due in particolare, furono gli untori più tristemente famosi: Gugliemo Piazza, un commissario della sanità cittadino, che ingiustamente accusato cercò di sfuggire alle terribili torture inflittagli dai suoi carcerieri, indicò il barbiere del quartiere della Vetra, Gian Giacomo Mora, come suo complice.
Due personaggi ovviamente innocenti, ma che la furia della giustizia popolare voleva eliminare. E così fù. I due sventurati, dopo una serie di torture e pene corporali, vennero bruciati sul rogo. La casa di Mora fu addirittura distrutta, ed al suo posto venne eretta una “colonna infame”, piccolo monumento che doveva essere monito ed insieme ricordo della malignità dei due condannati.
Colonna che venne distrutta già durante la seconda metà del diciottesimo secolo, e della quale non rimaneva più nulla se non il triste ricordo.
Fino al 2005: è di questo anno, infatti, la costruzione di un nuovo edificio su Corso di Porta Ticinese, all’angolo proprio con via Gian Giacomo Mora, intitolata allo sventurato barbiere. E della curiosa iniziativa del costruttore: proporre, proprio nel luogo in cui sorgeva, una targa ed un monumento che ricordi la famigerata colonna. Una colonna, quella del monumento, solo accennata, quasi al negativo, una superficie levigata e luminosa, scavata in un blocco di metallo sporco. Quasi un bagliore di luce, a ricordarci questa volta quando può essere cieca e crudele la giustizia mossa dall’ignoranza popolare.

Girando per le sale del Museo del Castello Sforzesco non è raro imbattersi in opere accolte tra le sue solide mura perchè le sedi d’origine sono andate distrutte.

E’ il caso anche  della statua di Bernabò Visconti, Signore delle terre di Cremona, Bergamo, Brescia e di Milano.

Per celebrare la sua grandezza, egli commissionò la statua e la fece porre nell’abside di San Giovanni in Conca.

Una particolarità: cavallo e cavaliere (ad eccezione della testa) sono scolpiti in un unico blocco di marmo. Sotto il ventre del cavallo, aguzzando lo sguardo, si nota una colonna nascosta tra le due figure che sono poste ai lati (la Forza e la Giustizia): un piccolo trucco per bilanciare l’enorme peso della statua.

Bernabò muore nel 1385 e viene pianto a lungo, soprattutto dal nipote e genero Gian Galeazzo che non solo organizza solenni celebrazioni, ma trasforma la statua tanto amata dal defunto parente in arca funeraria.

Che nipote!

O forse no? …

Si narra infatti che per ragioni di potere, Gian Galeazzo fece arrestare lo zio. Un prigioniero di tutto rispetto, perchè certo non gli mancarono  attenzioni e privilegi. Ad esempio un giorno il nipote “premuroso” gli fece recapitare il suo piatto preferito. Casualmente fu suo il ultimo pasto…

Monumento sepolcrale di Bernabò Visconti
Bonino da Campione, marmo
Dalla Chiesa di San Giovanni in Conca,  ora esposta al  Castello Sforzesco

Siamo in Corso Indipendenza. Nascosta dai negozi e dai palazzi si scorge la statua di Pinocchio. E’ posta al centro di un parco giochi, in mezzo ad una fontana con il Gatto e la Volpe posti ai bordi.

E così è ancora compagno di tutti i bambini e di chi una volta lo è stato.

Ricordate le sue (dis)avventure? Prima era un burattino. La strada era la sua scuola. Il Gatto e la Volpe i suoi falsi consiglieri. Un bambino asino era il suo migliore amico. Una coscienza che – nel petto di legno non c’era spazio – a volte era grillo, a volte bambina dai capelli turchini. E ad ogni bugia cresceva a dismisura il naso di legno!

Alla fine impara ad amare gli altri, e se stesso. E così diventa un bambino in carne e ossa.

Attilio Fagioli, l’autore della statua,  decide di rendere eterno questo passaggio raffigurando il bambino e il burattino  – ormai senza vita – steso ai suoi piedi.  La carne e il legno, specchio l’uno dell’altro di una vita sola, cambiata, ma non dimenticata.

Indugiate sulle parole scritte sul basamento. Burattino e bambino insieme. Riflessione e…forse, provocazione:

Com’ ero buffo quand’ ero un burattino! E tu che mi guardi, sei ben sicuro di aver domato il burattino che vive in te?…

Fontana dedicata a Pinocchio
Bronzo – Attilio Fagioli (1955)
Testo sul basamento del poeta Antonio Negri
Corso Indipendenza

Napoleone “torna in vita” proprio il giorno della sua scomparsa. E se nel 1821 “percossa e attonita la terra al nunzio sta(va)”, nel 2009 nella sala XV di Brera, sospira e meraviglia.

Napoleone come Marte pacificatore: uno dei 5 calchi di gesso voluti da Canova.

La classicità a lui cara a è evidente e immediata, quasi urgente: Napoleone è nudo, solo la clamide militare sulla spalla. Con la sinistra sorregge un’asta, con la destra un globo, base di una Nike -vittoria- alata, perduta. Per l’armonia fisica più che un guerriero ricorda un’atleta.

«A Parigi la statua sarà criticata senza pietà: avrà i suoi difetti certamente, sopra gli altri avrà la disgrazia di essere moderna e di un italiano», profeticamente annunciava Canova.

Così fu. Il nudo era troppo reale persino per quell’imperatore che “arbitro s’assise in mezzo a due secoli”.

Il destino delle statue legato alle sorti del condottiero. Dopo Waterloo, l’originale venne donato a lord Wellington, il vincitore.  “Il bronzo” (voluto per Milano dal Vicere d’Italia) e “il gesso” (acquistato per la stessa Accademia di Brera nel 1809, voluta da Napoleone), per la legge della damnatio memoriae (cancellare ogni memoria per i posteri), rimossi e dimenticati.
Nel 1859 venne recuperato “il bronzo” (oggi nel giardino di Brera).  Il calco, invece, solo nel novembre dello scorso anno affidato al restauro.

Dopo duecento anni il grande ritorno. Sì, per Milano e non solo, Ei è ancora.

Pinacoteca di Brera, Sala XV
via Brera, 28 – Milano

Orari 8.30-19.15 da martedì a domenica
Biglietti: € 10,00 intero; € 7,50 ridotto; Abbonamento Bicentenario € 20,00:
www.brera.beniculturali.it

È immensa ed eterna la storia d’amore che si consuma entro il Museo di Arte Antica del Castello Sforzesco.

Un muro, una struttura in pietra scolpita separa tutte le opere del Museo dalla Pietà Rondanini, quasi a volerla proteggere e come a preparare lo sguardo ad uno spettacolo unico.

I lavori iniziarono nel 1552 circa per poi essere abbandonati e ripresi proprio nell’ultimo anno di vita del suo creatore, fino alla fine.

Ottantanove anni, un Dio e una donna nel cuore, il furor del genio nel petto.

Un canto d’amore e di passione che si consuma in un blocco di marmo.

Un canto fatto di contraddizioni e di insoddisfazione tipico del genio quale era ed è Michelangelo Buonarroti.

L’opera incompiuta a uno sguardo attento offre ripensamenti e contraddizioni.
Un braccio, la posizione della testa e dello stesso corpo del Cristo. Abbozzati ben due volti. Perché originariamente pensati come staccati – uno sorregge l’altro -  per poi essere uniti e insieme, madre e figlio, in un abbraccio.

Colpi di scalpello, colpi d’anima, lotta con la materia e con l’impossibilità di ridurre l’ideale al reale, il geniale al normale.

La Pietà Rondanini
Sala degli Scarlioni
Museo d’Arte Antica – Castello Sforzesco
Aperto da martedì a domenica 9.00 – 17.30
Tel. 02.88.46.37.03

http://www.milanocastello.it/ita/home.html