Dal 27 novembre al 12 dicembre andrà in scena il NAO PERFORMING FESTIVAL 02- inStage. Che cos’è il NAO PERFORMING FESTIVAL? Si tratta di una rassegna che mette a confronto diverse generazioni di artisti per dare vita a un dialogo volto a comprendere lo scenario della produzione artistica performativa contemporanea, e che si compone di performance, incontri, laboratori, installazioni e dibattiti.

Il festival si terrà al DiDStudio, all’interno della Fabbrica del Vapore di Milano, un atelier di produzione coreografica per la compagnia AiEP e un luogo di residenza creativa, studio e sperimentazione per giovani artisti.

L’edizione di quest’anno è dedicata ai giovani autori del progetto biennale NAO che, grazie al lavoro del team dell’associazione Ariella Vidach – AiEP, hanno prodotto nuovi lavori dialogando con coreografi e ospiti internazionali incontrati dal 2010 ad oggi. Ariella Vidach e la sua associazione culturale Aiep sono sempre stati all’ avanguardia nell’ approfondire e proporre le innovazioni della danza contemporanea.

Lo scopo di NAO (Nuovi Autori Oggi) è dare vita a un dialogo tra percorsi artistici e ricerche che animano la scena nazionale ed internazionale. Una finestra per provare a comprendere alcuni scenari della produzione performativa contemporanea sospesa tra una generazione emergente che cerca mentori, risorse e visibilità, e una generazione affermata.

Apre il festival la Compagnia Zappalà Danza (sabato 27, h.21.00) con lo spettacolo Pre-testo 1: naufragio con spettatore. Si tratta della prima tappa di ODISSEO, un lavoro sull’emigrazione/immigrazione e sul rapporto che noi bianchi/occidentali abbiamo nei confronti del popolo migrante.

Tra gli altri spettacoli del festival ci saranno anche lo spettacolo Lau Nay – Alessandro Carboni, indagine trasversale sulla relazione tra corpo e città, lo spettacolo GO – Lisa Nelson, Scott Smith e Claire Filmon e Butterfly – ErsiliaDanza diretto da Laura Corradi.

Per maggiori informazioni e per consultare il programma completo vi rimandiamo al sito http://www.didstudio.org/2010/11/03/nao-performing-festival/

NAO PERFORMING FESTIVAL 02 InStage

Dal 26 novembre al 12 dicembre 2011 al DiDStudio – Fabbrica del Vapore

Dal 21 Settembre al 20 Novembre Palazzo Reale ospita la mostra personale di Roberto Ciaccio.

Romano di nascita, milanese di adozione, Roberto Ciaccio, è un artista contemporaneo con forti interessi per la filosofia e la musica, interessi che naturalmente confluiscono nelle sue opere. I suoi lavori sono presenti in importanti musei internazionali, come il MOMA di New York, il Museo Cantonale di Lugano, il MART di Rovereto e molti altri.

Inter/vallum è un’installazione site specific, ideata e creata dall’artista per essere collocata, appunto, in uno spazio preciso: la Sala delle Cariatidi nella fattispecie, affinché l’opera abbia uno stretto rapporto con l’architettura e la spazialità del luogo per incontrare la poetica dell’autore. L’enigmatica presenza delle cariatidi sullo sfondo, che si alternano come in una sinuosa danza, agli specchi e alle opere, alterano la percezione dello spazio rendendo l’atmosfera magnetica, suggestiva al limite dell’illusorio.

L’installazione fa parte di un percorso triadico, costituisce il terzo momento di un percorso che ha visto il confronto tra le opere dell’artista e la filosofia, la musica e l’architettura. La mostra “Revenants” tenutasi a Berlino, accompagnata da un convegno filosofico; l’esposizione “Le Son des Tènébres” che ha avuto luogo a Roma, affiancata da performances musicali ed infine la mostra Milanese, nell’ambito della quale l’artista dialoga con l’architettura e gli elementi architettonici e strutturali della prestigiosa Sala delle Cariatidi.

Si tratta di grande lastre metalliche di metalli diversi, serie di monotipi e monoprints e opere su carta, dalla sottile modulazione cromatica, dai toni del blu, al rosso opaco, al viola al marrone. La serialità corrisponde, secondo l’artista, all’infinita potenzialità della matrice e produce un continuum senza fine.

Un forte impatto attraente e stimolante, nei quali personalmente ho ritrovato un po’ dell’espressionismo astratto di Mark Rothko.

Mostra davvero suggestiva, che proietta lo spettatore in un inter/vallum spazio temporale davvero suggestivo.

Sabato 12 novembre ore 18.30 Remo Bodei, Enzo restagno, Roberto Ciaccio dialogano su arte, musica e filosofia; alle ore 19.30 Concerto pianistico di Antonio Ballista – musiche di Debussy e Mahler con riferimento all’esposizione Inter / Vallum.

Giovedì 17 novembre ore 21.00 Philip Corner e Lorna Windsor INETRVALLUM 1&2 Gong e voce

Roberto   Ciaccio

INTER/VALLUM

Palazzo Reale Milano

Sala delle Cariatidi

dal 21 settembre al 20 novembre 2011

lunedì 14.30 -19.30

martedì, mercoledì, venerdì, domenica 9.30 -19.30

giovedì e sabato 9.30 -22.30

Ingresso gratuito

www.comune.milano.it/palazzoreale

www.intervallum.it

Prima mostra milanese per il fotografo David Kassman, che trova luogo alla Ermanno Tedeschi Gallery dal 15 Settembre al 30 Novembre.

L’artista inizia la sua carriera fotografando le più remote tribù della savana africana, creando una serie di spettacolari fotografie sulla natura, che attirano l’attenzione della prestigiosa rivista National Geographic, che decide così di assoldarlo tra le sue fila.

I temi sviluppati dall’artista sono la natura, la street art e il supereroe Spiderman, che fa capolino nelle sue splendide foto, con l’intento di suscitare nello spettatore le emozioni tipiche dell’infanzia: lo stupore e al contempo il timore di trovarsi davanti ad un supereroe in grado di attraversare il mondo con semplicità e coraggio, cancellando per un istante le avversità della vita, a cominciare dalle guerre.

Questo è il concept rappresentato nel progetto Spiderman di cui è possibile ammirare, esposto in questa mostra, fino al 30 Novembre, la celebre fotografia “Wailing wall II”.

David Kassman con un colpo di genio è riuscito a suscitare l’attenzione del pubblico accorso all’apertura della mostra , grazie ai super poteri di Spiderman, certo che è che la meraviglia delle fotografie esposte suscita nell’osservatore una vera e propria immersione nell’immagine, nella bellezza, nella profondità e nell’emozione della sua arte.

Ermanno Tedeschi Gallery

Via Santa Marta, 15 (entrata da Via San Maurilio)

20123 Milano

Tel 02. 87396855

Info.mi@etgallery.it – www.etgallery.it

Da mart. A ven. 11-13 e 15-19, sabato e domenica su appuntamento

A chi passeggiando per Milano non è ancora capitato di imbattersi in un elefante?

Io ne ho incontrati parecchi negli ultimi tempi, sui Navigli, in piazza San Babila, in Cadorna e ai Giardini Pubblici…praticamente ovunque! Se qualche anno fa la nostra città era stata invasa dalla mucche quest’anno tocca invece agli elefanti!

Certo non si tratta proprio di veri esemplari di pachiderma ma di riproduzioni di cuccioli di elefanti a grandezza naturale dipinte da artisti famosi ed emergenti.

Da venerdì 16 settembre Milano è stata invasa da 80 esemplari di questi coloratissimi cuccioli. Si tratta dell’ Elephant Parade un’esposizione open-air organizzata per sensibilizzare il pubblico riguardo la salvaguardia dell’elefante asiatico, attraverso la raccolta di fondi destinati all’Asian Elephant Foundation.

L’ente in pochi anni ha raccolto più di 4 milioni di euro destinati alla gestione di diversi ospedali per elefanti, alla distribuzione di cibo e medicine e alla prevenzione di azioni come bracconaggio e caccia. L’iniziativa ha però un doppio scopo benefico, oltre alla raccolta fondi per la salvaguardia degli elefanti la raccolta fondi andrà a beneficio anche della fondazione Telethon.

Dopo i successi nelle capitali europee come Copenaghen, Amsterdam e Londra, per citarne solo alcune, questa iniziativa, nata nel 2007, debutta anche in Italia con una vera e propria parata di elefanti d’arte.

L’esposizione si concluderà il 15 novembre e, a mostra conclusa, il 22 novembre, gli elefantini colorati saranno battuti all’asta da Christie’s, presso Palazzo del Ghiaccio (via Giovanni Battista Piranesi 14). I proventi ricavati andranno ad aggiungersi a quelli delle parade tenutesi nelle altre città europee. Il prezzo verrà stabilito di volta in volta dai collezionisti: ciascun elefante rappresenta infatti un’opera d’arte unica.

Alcuni elefantini portano inoltre la firma di personaggi famosi come Katy Perry (presso La Rinascente-Corso V. Emanuele-design store-1), l’elefante glam chic in Swarovski firmato dalla star americana è ispirata al California Dreams Tour e Candyfornia. La modella internazionale Jodie Kidd ha invece realizzato un elefante di ispirazione indiana (presso piazza Cordusio), mentre i conduttori radio Federico L’Olandese Volante e Marco Balestri hanno creato un’opera dedicata al 150° Anniversario dell’Italia (presso piazza Cadorna).

Molti anche gli eventi collaterali. Dai workshop per ragazzi e adulti appassionati d’arte, al corner presso il Design Supermarket de La Rinascente di Piazza Duomo, dove acquistare merchandising sempre a sostegno dell’iniziativa.

Dopo l’evento di Milano Elephant Parade approderà a Singapore dalla seconda metà di novembre.

In mostra alla Rotonda di via Besana, fino al 9 Ottobre, ci sono le opere più recenti di Anish Kapoor, scultore e architetto di origine indiana vincitore del “Premio Duemila” alla Biennale di Venezia nel 1990.

La mostra è concepita come un’installazione che vede il suo fulcro nel centro della sala dove, poprio sotto la cupola, è posta la grande scultura circolare in cera rossa “My red homeland” realizzata da Kapoor nel 2003. Il percorso espositivo non è definito, ci si trova liberi di muoversi nello spazio circolare della sala, sapientemente frammentato, scomposto e ricomposto dalle altre opere di Kapoor.

Il visitatore viene proiettato sia all’interno delle opere stesse, sia in una dimensione irreale, sospesa tra la deformazione del circostante e la totale smateterializzazione dello spazio. Davvero suggestivi i riflessi delle colonne della sala dentro gli specchi, i quali, mutando ad ogni passo contribuiscono a creare uno straniamento percettivo che, a tratti, obbliga a distogliere lo sguardo. Un percorso fin troppo breve che diverte e incuriosisce e propone l’ adozione di nuovi punti di vista.

Realizzata esclusivamente per Milano, l’installazione di Anish Kapoor ” The Dirty Corner” è invece in esposizione alla Fabbrica del Vapore, via Procaccini 4, fino all’ 8 Gennaio.

Orari e costi:
lunedì 14.30 – 19.30.
da martedì a domenica 9.30-19.30.
giovedì e sabato 9.30-22.30
6 € per ciascuna sede espositiva; 10 € per entrambe le sedi
Per maggiori informazioni:
www.anishkapoormilano.com

A causa di un guasto tecnico all’ opera “My Red Homeland”, la sede della rotonda di via Besana resterà chiusa fino al 6 Luglio. Pare infatti che il braccio meccanico ideato per modellare la cera attraverso un circolare movimento perpetuo, si sia bloccato. Chi ha visitato la mostra nei giorni in cui l’ opera era già “guasta” potrà tornare gratuitamente ad ammirare il braccio in funzione, ma solo se ancora in possesso del vecchio biglietto. Per maggiori informazioni si consiglia di visitare il sito del Comune di Milano.

Alex Pinna è un artista ligure di adozione milanese, che ama l’uomo e i suoi spazi. Diplomato all’Accademia di Brera, le sue sculture raccontano storie di uomini in tutte le forme possibili, quasi a farle diventare delle presenze in grado di porre domande profonde semplicemente esistendo.
Appoggiate ad un muro, con lo sguardo rivolto a terra o sedute su di una lampadina, fatte di corda o di ceramica, piccoli feti o uomini adulti, le sculture di Pinna abitano i nostri ambienti come noi non riusciamo quasi mai a fare.
La sua leggerezza infantile e giocosa si sovrappone spesso ad una gravità riflessiva che coinvolge lo spettatore.

Alex, le tue sculture sembrano essere in perfetto equilibrio nello spazio esteriore, ma spesso privi, o alla spasmodica ricerca di un equilibrio interiore. Sembrano raccontare uno degli eterni dilemmi umani….
Si cerco sempre di trovare un’equidistanza tra ironia e drammaticità. Sono profondamente convinto che senza uno di questi due toni sarebbe difficile vivere.

Che ruolo ha la favola nel tuo processo creativo?
Le favole, come tutta la cultura infantile, rappresentano un codice meraviglioso che tutti hanno la capacità di leggere e di decifrare

Quali sono le domande o le riflessioni che assillano le tue creature?
“Che ci faccio io qui?”
“Perchè mi hai creato?”

Le domande che si fanno gli uomini, insomma.
Il disegno ha un ruolo importante nel tuo processo artistico?
Il disegno è una sorta di respiro, è sempre la partenza del viaggio: senza disegno non potrei lavorare

Quali sono i materiali e le lavorazioni con cui preferisci lavorare?
Tutti i materiali, e possibilmente insieme: se rimango troppo tempo fisso su un modo o su un sistema finisce che mi annoio e faccio delle robacce

Ci sono artisti che prediligi o ai quali ti ispiri?
Un po’ tutti, direi che è inevitabile subire molte influenza, ma in questo periodo sopratutto Novelli e Pascali

Qual è il tuo rapporto con la città di Milano e il suo mondo artistico?
Milano è una città perfetta per lavorare, in cui però la qualità è sempre più nascosta, mentre le opere più gettonate e appariscenti troppo spesso lasciano a desiderare.
Forse però non è un male…

Hai mostre in programma?
Una collettiva al Vittoriano di Roma curata da Vittoria Coen che inaugura il 15 settembre e una mostra alla Rocca di Narni che inaugura il 17 ottobre, omaggio ad un uomo di cultura che ci ha lasciato, Adriano Ronchini, a cui devo moltissimo di quello che sono oggi.

www.alexpinna.org

Giulio Zanet arriva da Colleretto Castelnuovo (Torino), ma anche lui ha scelto di studiare a Brera e di trasferirsi nella città di Milano.
Il suo pennello lavora soprattutto sul ritratto, dando vita a personaggi grotteschi e carichi di significato: Zanet è una sorta di artista in fuga dalla verosimiglianza verso la libera deformazione.
Non è banalmente un’attitudine caricaturale, perché i tratti esasperati non sono quelli del corpo ma quelli ben più profondi dello spirito e delle attitudini.
Scrive Sara Rossotti: “Così le teste si gonfiano come palloncini, le mani si allungano e si torcono in smorfie proprie di espressione, la carne si assottiglia, si appesantisce, cola, si leviga o si increspa. L’esterno della figura diventa lo specchio dell’interno, il suo doppio o, meglio, la sua ombra.”

L’ambientazione, l’orizzonte, il paesaggio, tutto ciò che sta dietro, fuori e intorno ai soggetti di Zanet nelle sue prime opere spariva senza lasciare traccia: la centralità dei suoi quadri era costituita in modo assoluto dall’uomo e dai suoi stati d’animo. Una decontestualizzazione quasi claustrofobica.
Ora invece il suo processo artistico sta mutando verso una proiezione dei personaggi in panorami ben definiti e quasi ingombranti: gli sfondi si sono riempiti di dettagli e colori tutti da decifrare, come se si trattasse di documenti di identità.

Giulio, è stata l’arte a portarti a Milano?
Diciamo di sì. Finito il liceo ho deciso che avrei studiato all’Accademia e quella di Brera mi sembrava la più sensata da fare.
Adesso ho l’impressione che Milano offra sempre meno dal punto di vista culturale e sociale, ma per anni è stata e comunque continua ad essere, sicuramente la città italiana con più opportunità in ambito artistico.
Inoltre, a casa stavo troppo bene e avevo bisogno di allontanarmi.

La città risponde bene ai giovani artisti? O c’è ancora molto da fare?
A me pare che ci sia ancora molto da fare, ma il mio giudizio è molto ingenuo. Sono troppo giovane e non ho ancora avuto la fortuna o sfortuna di confrontarmi davvero con il sistema dell’arte milanese. La mia impressione è comunque che esista un sistema, come in tutti i campi del resto, basato su amicizie e conoscenze, dove la qualità rimane sempre un po’ marginale. Ma posso sbagliarmi.

I tuoi personaggi urlano, si dannano, riflettono e in alcuni casi sembrano sfidare lo spettatore con un fare beffardo. Esiste un messaggio che vogliono comunicare a chi li guarda?
Questa è sempre stata la domanda che più mi mette in difficoltà: che messaggio voglio comunicare? Sinceramente non lo so.
Rifletto sull’uomo, sulle condizioni sociali, sui rapporti umani, sui sentimenti che solcano profondamente l’essere umano.
Però tendo a lasciare l’interpretazione al fruitore; non mi piace lanciare dei messaggi espliciti e diretti. É uno dei motivi per cui titolo raramente i miei quadri.
La cosa bella dell’arte è proprio il fatto di non lanciare messaggi univoci. L’immagine resta aperta a innumerevoli considerazioni ed interpretazioni.
Un “messaggio” che però mi porto dentro da quando ho iniziato a lavorare è il rendersi conto del lato ridicolo dell’uomo, della sua piccolezza e allo stesso tempo della sua grande capacità di adattamento, che può essere a seconda dei casi miglioramento o abbruttimento.
Non so se le mie opere lo comunichino, ma c’è sempre un grande ottimismo nel mio lavoro: focalizzarsi su un aspetto “brutto” di qualcosa per dire che può essere meglio.
Mi piace pensare anche all’impotenza dell’uomo. Non siamo padroni di nulla. Possiamo decidere di noi fino ad un certo punto. È una cosa che non sono mai riuscito a spiegare bene. Non so come chiamarlo, destino forse. Anche quando si prende una decisione mi sembra sempre che sia una scelta obbligata. Se ho scelto questo piuttosto che quello è evidente che non poteva essere altrimenti.
Più del messaggio, mi interessa la creazione di un’immagine che anche solo per un istante ti catturi e nella sospensione ti dia il tempo di fare anche solo un pensiero. Quando guardo l’arte non penso mai a ciò che mi vuole dire.
L’eventuale messaggio può venire in un secondo momento: se uno vuole, può andare a leggersi le critiche o chiedere all’artista se volesse dire qualcosa. Ma ciò che io giudico ben riuscito in arte è qualcosa che riesce a rapire la mia attenzione.
Forse è perché io sono molto distratto, forse perché la quantità di immagini a cui siamo sottoposti mi ha fatto diventare molto distratto, ma mi capita spesso di andare a vedere una mostra e di non soffermarmi su nessuna delle opere: ecco, torno a casa con l’impressione di non aver visto nulla. Insoddisfatto perché niente di ciò che ho visto mi ha fatto pensare, mi ha fatto soffermare sul pensiero ma è scorso via come tutte le altre immagini a cui siamo sottoposti. Magari l’intento era quello di comunicare chissà cosa ma nel mio caso non ci è riuscito. Quindi viene a mancare un momento fondamentale della comunicazione che non sempre deve essere capire ma anche solo, appunto, dare la possibilità di pensare.

Come decidi cosa dipingere?
Non so neanche questo.
Metto insieme dei pezzi. In genere parto da un elemento e poi costruisco intorno ad esso.
Mi lascio suggestionare, influenzare, colpire.
Non ho mai ben preciso dove voglio arrivare. Scelgo un soggetto, lo metto sulla tela e poi pian piano gli costruisco intorno tutto il resto, sia a livello iconografico che di significato. Anche se quest’ultimo resta il più delle volte poco chiaro anche a me. Attingo da qualsiasi fonte; siamo bombardati da stimoli, soprattutto da immagini. Talmente bombardati da stimoli che quasi non riusciamo a coglierli. Talmente troppo che resta niente, no? Allora io isolo, escludo, ritaglio.
E poi ricompongo, faccio dei collage pittorici per creare nuovi significati, nuove letture.
Prima per i volti e poi per le cose che sto facendo adesso, metto insieme dei pezzi.
Quando lavoravo sulle facce, facevo collage di elementi del viso per creare nuovi volti, deformi, surreali, inverosimili, forse riuscendo a cogliere meglio l’essenza dell’essere umano. Ora metto insieme pezzi diversi, che accostati possono aprire nuovi sguardi.
In ogni caso quando dipingo non penso mai a cosa voglio dire o comunicare. Mi concentro esclusivamente sulla qualità dell’immagine, su come risolvere la composizione; mi lascio suggerire, da ciò che potremmo chiamare inconscio, cosa e come accostare gli elementi. E poi mi guardo continuamente in giro e aspetto che ciò che cerco si faccia trovare.
Non voglio che l’opera mi dica qualcosa, ma che nell’immediato mi faccia pensare a qualcosa. Anche se la cosa a cui penso non c’entra nulla con ciò che voleva eventualmente dire chi ha prodotto l’opera. Voglio che mi suggestioni, che mi suggerisca senza dire veramente nulla.

Perché all’inizio della tua carriera l’ambientazione pareva essere così priva di importanza per i tuoi soggetti? Si può prescindere dall’elemento scenografico e dall’influenza che può esercitare?
Sì, si può prescindere. Ci sono un sacco di esempi che lo dimostrano.
Nel mio piccolo, in quel periodo mi sono concentrato sui soggetti. Tutta l’attenzione era rivolta al soggetto, e una “scenografia”, una contestualizzazione mi sarebbe risultata disturbante, invadente. La mancanza di altri elementi oltre al soggetto donava al soggetto un’universalità che ricercavo. Non sono mai stati ritratti infatti. Era il privato, il particolare, quelle piccolezze dell’uomo che deformano che diventavano appartenenti di tutto il genere umano.

Poi invece hai deciso di identificare lo spazio alle spalle dei tuoi personaggi, riempiendolo di nuove chiavi di lettura. Come mai questa svolta?
Adesso sono più interessato dalle relazioni che si posso creare, che posso intercorrere tra i vari elementi che pongo sulla tela. Anche se non hanno delle relazioni narrative. Ogni elemento è sempre isolato, sono semplicemente messi vicini. Credo il bisogno di sperimentare nuovi modi, nuove chiavi di lettura. Ho cominciato ad accostare elementi diversi, spesso con pochi riferimenti immediati tra uno e l’altro. Mettere insieme elementi che per il semplice fatto di essere accostati, anche attraverso il fatto di creare spaesamento danno nuovi significati. Che può anche solo essere l’inaspettato, il non c’entrare nulla, quella cosa che ti da regala un attimo di pausa, un attimo di sospensione. Mettere una cosa in un determinato posto gli da significato. Non ho abbandonato la figura ma la pongo in dei contesti, in dei luoghi.
Immergo la figura nel luogo che diventa il quadro. Il paesaggio o anche solo altri elementi che formano una composizione. Ecco, credo sia nato da una mia necessità di confrontarsi maggiormente con la composizione. Creo sia un passaggio obbligato che mi porterà a una nuova maturità.

Esistono artisti contemporanei che apprezzi particolarmente o ai quali ti ispiri?
Potrei fare un elenco lunghissimo di artisti che amo. Ma essendo lunghissimo diventerebbe noioso.
Sono molto vorace, cerco di vedere una grande quantità di cose. Proprio perché, come dicevo prima, mi faccio ispirare e suggestionare da tutto. Diciamo che non ho pregiudizi, nel senso che mi piace qualsiasi forma d’arte; pittura, scultura, video, fotografia, installazione….L’importante è che mi dia qualcosa.

Hai mostre o altri progetti in programma per i prossimi mesi?
Con la curatrice Francesca Chiacchio e l’artista Linda Carrara abbiamo creato il progetto IoScatola e dopo una prima mostra tenuta a Bergamo in maggio, abbiamo in previsione un secondo evento a Verona, che vedrà coinvolti atri due artisti oltre a me e a Linda Carrara.
In agosto partecipo ad una collettiva vicino a Potenza, a Sant’Angelo le Fratte e ad ottobre, alla GiaMartStudio farò una collettiva molto interessante dove gli artisti sono tutti nati negli anni ’80, curata da Carolina Lio.

www.giuliozanet.it

Mirka Pretelli è una giovane artista marchigiana nata in provincia di Pesaro nel 1978. Dopo l’Accademia di Belle Arti di Urbino, ha lavorato per alcuni anni come illustratrice fino ad approdare alla carriera artistica vera e propria.
Oggi è in mostra a Milano con “Painting Moods” presso la Immagine Art Gallery.

Mirka, le tue opere sembrano uscite da qualche favola d’altri tempi, ma una favola non molto allegra. Da dove arriva la tua ispirazione?
Proverò a descrivere alcune mie ispirazioni, ma altrettante importanti, ne tralescerò. Saranno scomunque comprese in quelle che cercherò di definire.
Questo perché le tematiche che esprimo sono un filo conduttore in continuo movimento e in evoluzione.
Le miei principali ispirazioni sono ricordi che inconsciamente elaboro e che si modificano nell’arco del tempo.
Non posso fare a meno di portarmi dietro e dentro sensazioni, a volte fin troppo sentite. Potrei dire che mi ossessionano, mi perseguitano.
Più che rocordi d’infanzia i miei “momenti” sono impressioni d’infanzia.
In alcuni casi contengono ferite che riemergono, perché non sono state vissute o comprese quando sono arrivate.
Sono abbastanza abile nel romanzare il vissuto, e ciò mi aiuta a far uscire da me tante immagini da immortalare.
Si innesca un processo di elaborazione spontaneo, che fa in modo che questi elementi siano poi metabolizzati.
Accade poi che ciò che sento e percepisco, lo traduca in immagini e trovi dei riscontri (non solo in chi guarda quelle immagini) in altre esperienze artistiche. Ed è bellissimo quando ritrovo similitudini di sensibilità scoprendone nuovi modi espressivi.
Più volte nell’arco dei miei studi ho trovato riscontri e testimonianze validi in svariati autori, dall’arte pittorica a quella cinematografica, alla letteratura.
Il piu delle volte mi piace accostare, mischiare tutte le diverse caratteristiche che mi arrivano dalle diverse indagini.

Stanze d’infanzia dalle quali l’infanzia è però assente, quasi a sottolineare un’amarezza per adulti. È così?
Amarezza ce n’è, ed abbastanza sostenuta. Amarezza è una parola che descrive bene il ritorno di un’ infanzia rivissuta poi, più che nel mentre. Questo grazie ai ricordi che permettono di assimilarla.
Sono ricordi che viaggiano e che fermandosi esplodono, si manifestano, tenendo celato quello che non deve essere scoperto.
Quindi sì, è l’amarezza dell’adulto, che però riesce a viverla bene.

Molti hanno descritto le tue opere come “claustrofobiche”, ma io ci trovo più che altro un gran senso di solitudine e assenza, nonostante i colori vivaci che usi e i particolari giocosi. Quali sentimenti animano la tua produzione?
“Claustrofobiche” è altrettanto adatto come termine. Gli spazi la fanno da padroni.
Sono spazi che interagiscono fin troppo, dai quali nasce il bisogno ad un certo punto di uscirne. Si cercano, e io cerco di dare in ogni caso vie di fuga, spiragli che sono come motivazioni che ti portano a risalire e capire, per poter uscire da certi stati.
Spazi lasciati in parte alla loro condizione originaria. Con le proprie assenze.
Sono spazi che aiutano a delimitare il momento, come le diverse inquadrature (per l’appunto delimitate) di uno storyboard.
Questo è un altro aspetto del concepire il lavoro: uno storyboard che è in continua evoluzione (e deriva dall’aver frequentato il corso di cinema d’animazione alle scuole superiori).
E’ anche vero che non amo sempre considerare o vedere i miei lavori solo in maniera triste, proprio perché cerco sempre di dare vie di fuga, di inserire e mettere a portata di mano del personaggio dei feticci non viventi ma “vitali”, presenze che solo per il fatto di essere lì diventano degli appigli di aiuto.
Nelle composizioni instauro un certo equilibrio che possa dare importanza ad alcuni particolari, piuttosto di altri, e in questo mi aiuto con i colori. Ogni colore dei diversi elementi, è significativo. Sia che si tratti di una parete, una coperta, una tenda o una porta (elementi ricorrenti e significativi nei miei lavori), assumono a seconda del caso un loro valore positivo o negativo. Ciò che vorrei è che ogni particolare comunicasse con l’altro, oltre che con lo spettatore del quadro.
Fotogrammi che consentono e rivelano momenti di natura individuale e collettiva.

I tuoi soggetti sembrano vivere imperturbabili la loro apparente normalità, quando in realtà il tuo pennello riesce a rivelare l’inganno di tutte le inquietudini che si muovono sotto pelle. La tua è un’indagine o esiste uno sguardo critico/sarcastico nei confronti della normalità che rappresenti?
Questa analisi è correttissima. Sono situazioni di apparente normalità, una normalità che crea ambiguità nel suo tenere celato. L’apparente normalità di ciò che ci è familiare ma che nasconde aspetti misteriosi (concetto di “unheimlich” di Freud).
Una contraddizione che è prorposta già nell’abbinare le parole “apparente normalità”, perché ciò che rientra nella cosiddetta normalità non dovrebbe far emergere nessun mistero che vi si celerebbe dietro; ma non tutto ciò che pensiamo come più familiare e conosciuto non è invece così chiaro e trasparente. Ed è proprio quì che nasce la più affascinante ambiguità.
AMBIGUITA’ quindi come Il lato non visto delle cose.
Ritraggo spazi in cui le persone si calano, persone sospese, intrappolate nei prorpi spazi a tal punto dal farsene assorbire. Abitanti in pausa, soli con le proprie paure.
Acune di loro vivono delle morti momentanee e a volte sono immerse nei propr lutti, ma intorno a loro si crea una rito speciale che aiuterà a trattenere ciò che serve (è il caso xfare un esempio di rosemary baby – elephant woman).

Il passo dalla carriera di illustratrice a quella di artista è breve o lunghissimo?
Più o meno concluso il corso di illustrazione ho capito che non riuscivo ad eseguire illustrazioni affidatemi, o forse non mi sentivo portata per fare l’illustratrice. Per questo motivo ho affrontato non pochi ostacoli durante il corso. Non riuscivo a fare mio, in quel periodo, quel grande mestiere, non riuscivo a raccontare storie che non nascevano da me. Cosa che ora ho fatto fin troppo e che ho bisogno ora invece di integrare con altre storie. Dovevo prima avventurarmi nelle mie storie e poi fare mie quelle di altri. Ora sono soprattutto in grado di scegliere quelle a me piu vicine o anche le piu lontane che comunque mi stimolino.
Ancor prima della conclusione del corso è arrivata l’illuminazione di iscrivermi all’Accademia delle belle arti. Qui il mio percorso ha preso il via partendo da quelle mie prime illustrazioni di racconti, per arrivare a dar vita ad illustrazioni che nasceseremo da me, dal mio Io. In questo sono riuscita grazie alle indicazioni e agli stimoli degli studi in accademia.
Da lì e partito tutto. La mia ricerca pittorica si è creata da sé una sua poetica.
Posso quindi dire che l’esperienza illustrativa, è stato un tesoro, affiorato in un secondo momento.
Ogni scelta che ho intrapeso, non è mai avvenuta nè casuale nè forzata. Mi succede spesso di aver bisogno che le cose accadano e in alcuni passaggi o scelte, prima ancora che io capisca di aver sbagliato qualcosa, sento già che devo tentare un’altra strada. Allora aspetto la chiamata..

Ci sono artisti che hanno ispirato la tua narrativa figurativa o che comunque ricevono la tua ammirazione?
Certamente! Non potrei farne a meno.
A partire dagli amici artisti e non, che mi affiancano, dai quali cerco sempre di imparare qualcosa che a me manca, che io non ho elaborato. Cerco soprattutto di ascoltare. Di osservare le persone che vedo per strada, o situazioni che mi colpiscono.
ovviamente e alla base di tuto c’è la Storia dell’arte, da quella più remota a quella piu contemporanea.
Amo molto la fotografia. È stimolante per me. Mi servo spesso di immagini fotografiche anche mie, che mi danno il supporto giusto (mi servono come traccia), da poter poi stravolgere in maniera spontanea, soprattutto nei colori e negli elementi.
Il linguaggio cinematografico è altrettanto importante. Dal cinema più “visionario” a quello “classico”.
Per non tralasciare nessuno citerò solo uno tra i miei registi preferiti: Alfred Hitchcock. Amo il suo stile nel creare suspence.
La suspence per Hitchcock è un mezzo poetico, un elemento chiave nelle sue pellicole, e la cosa più interessante è scoprire come riesce a crearla. Creare suspence per lui vuol dire presentare nella maniera più intensa possibile delle situazioni drammatiche: è la drammatizzazione del materiale narrativo del film.
Una situazione normale viene resa “ambigua” inserendo mezzi che intensifichino il valore emozionale della scena: focalizzando l’attenzione su uno o più sguardi, su di un particolare, attraverso scelte che riguardano la composizione e il taglio dell’immagine anche accentuando l’uso dei colori. Il risultato sarà quello di aver accentuato, creato tensione alla scena.
La suspence che affiora da qualcosa che è accaduto o che magari accadrà.

Hai in programma altre mostre nei prossimi mesi?
Più che altro ci conto! E il mio obiettivo principale al momento. Lavorare!

Sebbene sia di nascita bresciana, la vita di Gianluca Chiodi ruota attorno alla città di Milano: dopo avervi passato l’infanzia ed essersi poi trasferito a Reggio Emilia, viene infatti riportato nella nostra città dall’arte.
La sua carriera comincia con successo nel settore della fotografia pubblicitaria, ma presto il suo talento artistico viene scoperto da numerosi galleristi che decidono di ospitare alcune sue mostre personali.
Quello che colpisce dell’arte di Chiodi è l’elevata suggestione comunicativa delle sue opere, costruite intorno a giochi di luce e tecniche artistiche estremamente raffinati.
Il potere evocativo delle sue mostre richiama ombre caravvaggesche, personaggi letterari mai dimenticati e improvvisi sprazzi di inaspettata ironia.

Gianluca, le tue opere più popolari sono forse quelle legate a “Opera al Nero” e “L’amore ai tempi del colera”, che ricordano moltissimo i quadri del Caravaggio e dei suoi seguaci. Quali sono le tecniche che hai usato per dare alla fotografia una parvenza così pittorica?
“Opera al nero” fu la prima citazione che ben sintetizzava il tipo di lavorazione che avevo inventato intervenendo direttamente con il colore lavorato ad encausto su una base fotografica creando una sorta di corto-circito tra le due tecniche. Stampo le mie composizioni fotografiche direttamente su tela (prima trasferivo la stampa “a caldo” sulla tela stessa) e successivamente intervengo con l’encausto, un’antica tecnica pittorica a base di cera d’api. Questa intuizione mi ha aperto le porte al mondo dell’arte e con l’utilizzo di questa tecnica ho sviluppato il progetto “l’Amore ai tempi del colera” in cui ho rivisitato celebri opere di artisti quali Caravaggio, Bartolomeo Manfredi, Mantegna, Rembrant che ho ironicamente re-intitolato citando altre “icone” cinematografiche e letterarie di fama mondiale quali “Straziami, ma di baci saziami”, “Per grazia ricevuta”, “Donne sull’orlo di una crisi di nervi”, “Cronaca di una morte annunciata”, ect.

In molte tue opere sembra che sia la luce ad essere la vera protagonista. E’ forse la tua formazione pubblicitaria a darti tanta dimestichezza con questo elemento?
Beh, che dire, la luce rende protagonista ogni cosa, ma in realtà dici bene, è lei la grande protagonista e non solo nelle mie opere, ma anche nella pittura, nel cinema, nella fotografia (e nella nostra vita in primis !!!); ritornando alla domanda, penso di avere avuto (e come me altri della mia generazione) la fortuna di “imparare il mestiere” di fotografo quando ancora si consegnava al cliente le diapositive e non dei file: “lo scatto” doveva essere perfetto e, solo con abile conoscenza ed utilizzo della luce potevi e dovevi farlo; la fotografia industriale, l’acciaio, il food sono stati i miei primi ostacoli affrontati sotto gli occhi vigili di bravi maestri, e poi il gioco della moda… la mia RZ e la magia mista all’ansia nell’attesa dello sviluppo, visore e lentino,… davvero Elena, che fortuna!

Nel tuo interessante portfolio compaiono anche progetti pieni di ironia e abilità, come ad esempio “Myopia” e “Matrioske”. A quanto pare la tua arte è piena di stimoli estremamente diversi tra loro.
Elena, sono contento che tu abbia notato “Myopià” che io considero, da ex- miope, la mia ricerca più profonda, ma non capita come avrebbe dovuto; e “Matrioske” la mia ultima gioiosa e coloratissima impresa…è stato davvero impegnativo trovare tante mamme in attesa di sole figlie femmine.
Non voglio dimenticare “Santi, peccati e peccatori” dove ho nuovamente giocato con la tradizione e l’iconografia religiosa per interpretare anche episodi di cronaca che hanno caratterizzato il nostro secolo.
Recentemente mi sono cimentato anche con una installazione/scultura di luce: una torta nuziale/lampadario capovolta molto divertente e…ironica!

Sembri essere un artista molto propenso alla sperimentazione tecnica e di linguaggio. Ti stai occupando di nuove ricerche in questo momento?
Certo che si! nuove forme, nuova luce, nuove immagini e mille progetti.
Adoro questo lavoro e le infinite possibilità d’espressione; all’inizio dovetti promettere a Luciano Inga Pin, il mio primo Gallerista, che per qualche anno avrei “limitato” la mia creatività in una direzione definita ed obbligata per rendere il mio lavoro ed il mio stile riconoscibile; ora sento che questo tempo è passato e la mia voglia di ricerca non si è esaurita, al contrario… mi spiace solo che questo grande amico non potrà più vedere i miei prossimi lavori ed i traguardi futuri.

Hai in programma mostre nei prossimi mesi?
No. Nei prossimi mesi non ho mostre in programma, sono davvero molto impegnato nella ricerca…diciamo che “sto’ lavorando alla prossima”.

A parte gli evidenti riferimenti alla pittura del ‘500 e ‘600, esistono artisti o correnti artistiche che riescono ad ispirarti o che hanno la tua ammirazione?
Sono davvero tanti gli artisti di varia estrazione che ammiro: Pedro Almodovar, Peter Greenaway, Joel Peter Witkin, Nicola Samorì, Erwin Olaf, Coniglio Viola, Ruben Ramos Balsa, Enrico Robusti, Odd Nerdrum, Michal Macku, Robert Flynt, Paolo Smidlin, … e cento altri.
L’ispirazione, invece, ……….. è in tutto e in tutto il suo contrario.

www.gianlucachiodi.com

Kadhum è un artista dalla storia estremamente affascinante.
Nato a Baghdad nel 1961, conosce la sua nascita artistica fin da bambino attraverso la fotografia e già all’età di 15 anni ha uno studio tutto suo dove sviluppa immagini in bianco e nero dell’Iraq di quegli anni, cominciando a mettersi alla prova anche attraverso la pittura, la calligrafia e il disegno.
Nel 1979 lascia casa per perfezionare la carriera scolastica in Italia, ma a seguito del blocco dei finanziamenti da parte dello stato iracheno Kadhum decide di mantenersi attraverso l’arte.
Questa non si rivelò una scelta sempre perseguibile, ma lentamente il suo amore per la calligrafia, la figurazione e le parole gli fecero maturare una grande forza espressiva attraverso le forme, i pensieri e i loro suoni.

Kadhum, la tua arte racconta di un legame fortissimo con la città di Milano. Si può parlare di amore?
Milano è la città che mi ha adottato sia come persona che come artista, c’è sicuramente un legame fortissimo, e come tutti gli amori, contraddittorio. Da un lato cerco di esaltarne la bellezza nei miei quadri (vivo nella zona dei navigli), dall’altro critico il suo provincialismo ed il suo narcisismo.

Negli anni 2006 e 2007 hai organizzato la manifestazione “Arte sul Naviglio Grande”. Perché poi ti sei fermato?
Non è facile lavorare nel campo dell’arte senza subire critica che a volte assume l’aspetto dell’imposizione sia nella scelta degli artisti che nel metodo di organizzazione. Avevo cercato di agevolare i giovani scontrandomi con una mentalità vecchia che non voleva cedere il testimone come saggezza vuole. Aprendo a nuove espressioni artistiche come video e installazioni, i “pittori” storici della manifestazione si sono sentiti emarginati che avevano persino contestato la creazione dei siti internet, “per fortuna li gestisco ancora io” perché dovevo registrare i domini a mio nome. Forse avevo preteso troppo.

Nei tuoi bellissimi acrilici in bianco e nero, quanto c’è della tua iniziazione all’arte fotografica in Iraq?
La fotografia cattura l’istante, nasce semplicemente dal contrasto luce-ombra. La tecnologia e prima ancora la chimica aveva permesso un processo complesso di elaborazione dei colori. Adesso, scatto la foto con una macchina digitale, la elaboro al computer per ottenere solo l’origine dell’immagine, cioè luci e ombre, a questo punto disegno, poi dipingo il quadro. Praticamente facendo il percorso inverso della storia, riporto il tutto ad un istante prima dell’invenzione della camera oscura.

Racconti ai lettori di AfterSix la tua avventura alla Biennale di Venezia 2009 con Seeds of Love?
Seeds of Love è la conclusione del progetto “I NEED LOVE” presentato come evento off alla 53 Biennale di Venezia. La performance si era svolta nei giorni dell’inaugurazione e sinceramente non mi aspettavo tutta questa partecipazione da parte degli addetti ai lavori. È stata un’avventura fantastica, cercavo l’amore non come sentimento ma, come concetto. Ho provato una sensazione unica abbracciando e baciando persone perfettamente sconosciute. Il sentimento si era fatto consapevolezza di essere attori nella grande sceneggiatura che è la vita dove ogni singola entità nella sua unicità diventava parte integrante della realtà temporale.

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