Tenebroso, introspettivo, angosciante, è questo The Road, film dello sconosciuto regista John Hillcoat, tratto però da un romanzo ben più noto, tanto da vincere il premio Pulitzer. Cormac McCarthy l’autore, un nome non nuovo all’attento pubblico amante del cinema: da un altro suo romanzo i fratelli Coen vinsero l’Oscar per Non è un paese per vecchi. McCarthy ha sempre scritto di vite vissute al limite, di gente di provincia, di persone abituate a lottare per far valere la propria vita e questo The Road è la quintessenza della lotta, è il desiderio di dire “io esisto, io sono ancora capace di vivere emozioni”.

Lui è Adam: carino, brillante, molto intelligente e con la passione dell’astronomia, tant’è che ha un planetario in casa e possiede addirittura una tuta da astronauta. Nel suo palazzo si è appena trasferita Beth, un’insegnante aspirante scrittrice di libri per bambini, che cerca di riprendersi dopo una relazione finita male.

Tanti ne abbiamo visti: dal cartoon disneyano all’uomo in calzamaglia, dalla parodia fantozziana al melenso ed un po’ costruito film con Kevin Costner. Ora siamo nuovamente al cospetto di una delle leggende più famose al mondo, un fuorilegge che ha saputo imporre più i suoi valori che la sua stessa figura. Tanti ne abbiamo visti, tanti ne dimenticheremo, perché questa è una grande storia.

Se non fosse per le straordinarie scenografie ed i costumi, sembrerebbe di trovarsi in una qualsiasi città del mondo civilizzato dell’occidente. Invece è l’ Alessandria d’Egitto del IV secolo D.C. una metropoli disordinata, caotica fra mercati e folle che riempiono queste grandi piazze, circondate da colossali statue, straordinari portici, mentre sul mare troneggia il gigantesco Faro, e sulla sommità di una collina si erge la meravigliosa Biblioteca.

“…magari l’Islanda, per vedere i Sigur Rós, è uno dei sogni che vorrei realizzare nella vita.”

Nonostante le nostre “beneamate” sale cinematografiche abbiano snobbato un buon film come The hurt locker, la guerra in Iraq non si fa attendere e ritorna con prepotenza ai nostri occhi.

Ventotene è una di quelle piccole isole italiane che vivono del turismo estivo, d’inverno non c’è occupazione e in molti finiscono per accettare lavori in nero pur di guadagnare qualcosa. Salvatore mugugna ma si adegua alla realtà in cui è cresciuto,  gli piace dire che la sua vita è come quella dei materassi: ha un lato estivo e uno invernale. Durante l’alta stagione fa il barcaiolo, e quando i turisti vanno via diventa muratore, senza un contratto ed esposto a numerosi rischi perché nei cantieri edili le regole sulla sicurezza spesso non vengono rispettate. L’incontro con Martina, una studentessa genovese con la passione delle immersioni, cambierà lo scorrere monotono della sua vita e farà emergere alcune fragilità che il ragazzo non immaginava di avere.

La storia d’amore ha un inizio un po’ improbabile, difficile capire come dopo una sola notte assieme Salvatore cada in depressione per la partenza di Martina, ma il racconto affidato alla voce fuori campo del protagonista riesce comunque a incuriosire. Andando avanti appare sempre più evidente l’esile sceneggiatura, i dialoghi mancano di spessore e soprattutto viene lasciata cadere nel nulla la sottotrama legata al lavoro nero in cui è invischiato Salvatore. E’ un vero peccato introdurre un tema così importante, che poteva portare ad un altro livello il film offrendo spunti di interesse al pubblico, per trattarlo poi con superficialità.”Sul Mare” è basato sul romanzo omonimo di Anna Pavignano, Alessandro D’Alatri ha scelto espressamente attori poco noti per questa operazione a basso budget girata in digitale.

Non so se mi fa più pietà la traduzione italiana del titolo (Colpo di fulmine – il mago della truffa) oppure chi stabilisce quali immagini selezionare quando si crea il trailer di un film in uscita.

Di sicuro la maggior parte di voi avrà visto Avatar, e le spettacolari immagini dei voli sui “lucertoloni” colorati non vi saranno quindi del tutto nuove: un film dai grandi effetti speciali, un ottimo 3D, a supporto però di una storia non eccelsa. D’altronde non è sempre facile realizzare un film che sia soddisfacente da ogni punto di vista, così come da parte degli spettatori, non è semplice scegliere cosa andare a vedere, quando ogni settimana vengono proposti almeno tre o quattro nuovi lungometraggi. Commedie, horror, polizieschi: quante incredibili bestialità abbiamo purtroppo visto nelle sale cinematografiche negli scorsi mesi. Ultimamente c’è però un genere che non smette mai di sorprendere, regalare emozioni, fa sorridere, piangere e, se fosse cosa comune, porterebbe gli spettatori anche ad applaudire. Spesso bistrattato o considerato infantile, il cartoon è forse la scelta giusta quando si è titubanti sul film da scegliere.

Gamer, il giocatore. Per gli amanti dell’azione e dell’adrenalina ad ogni costo, l’idea di qualcuno che combatta per la libertà, come in un videogioco, non sarà certo una novità. Avete presente il Governatore della California, al secolo Arnold Schwarzenegger? Già negli anni ’90 si pensava ad una cosa del genere: forza della tv, violenza che attrae lo spettatore, possibilità di ricompensa con la vita stessa. Il format di questo nuovo film è lo stesso che il buon Schwarzy “recitava” con dubbi risultati circa vent’anni orsono (L’implacabile), ma con la rivisitazione dovuta dall’era Facebook e dalle tecnologie in continua evoluzione. 

In tempo di statuette hollywoodiane, e rifacendomi ad una pellicola vincitrice di una delle ultime edizioni degli oscar (Non è un paese per vecchi) mi viene da chiedere se effettivamente il titolo di questo film rappresenti la verità. I freschi vincitori delle ultime due edizioni degli Academy Awards (The hurt locker e The Millionaire) seguono una precisa linea: il mondo è dei giovani, della sfrontatezza, delle nuove idee.
Poi scopri Crazy Heart ed il suo poliedrico protagonista Jeff Bridges (Oscar meritatissimo), ti emozioni con uno sguardo, con un sospiro, ed il dubbio svanisce in un battito di ciglia. Il mondo è proiettato alla giovinezza, ma il cinema è ancora tremendamente anziano. Meno male.

Il film ruota attorno a dieci storie diverse che si intrecciano nel giorno di San Valentino: c’è il fioraio che crede nell’amore e chiede alla fidanzata di sposarlo, l’amica sfortunata che si illude di aver trovato la persona giusta, la ragazza nevrotica in carriera, l’immancabile marito traditore, due anziani coniugi, e per mandare un messaggio pro castità anche dei teenager che scelgono di non fare sesso.

Tommaso è gay, vive a Roma dove si è laureato in Lettere, e il suo più grande desiderio è scrivere. La sua famiglia lo crede uno studente di Economia e commercio intenzionato a tornare a Lecce per gestire insieme al fratello il pastificio fondato dalla nonna. Tornato a casa per discutere del futuro dell’azienda, racconta al fratello Antonio il suo progetto: approfittare della cena di famiglia per dire a tutti la verità sulla sua vita, ma una volta seduti a tavola sarà Antonio ad anticiparlo dichiarandosi omosessuale e facendosi cacciare di casa dal padre furibondo. Tommaso si troverà così obbligato a restare a Lecce più a lungo del previsto per sostituire il fratello al comando del pastificio, e adattandosi alla vita che i genitori avevano sempre desiderato per lui.

Periodicamente ci si trova di fronte ad uscite di film che vorrebbero trattare in maniera più o meno articolata ciò che avviene nella mente umana, creando un’accozzaglia di generi che finiscono per sforare in un inevitabile surrealismo fine a se stesso. Ovviamente non è questo il caso, in cui uno dei migliori registi di tutti i tempi decide che è arrivato il momento di fare un po’ di ordine e ristabilire le dovute gerarchie.
Dennis Lehane, non volendo “steccare alla terza”, si affida a Martin Scorsese nel duro compito di rendere di tutto rispetto la trasposizione cinematografica del suo libro, cosciente del fatto che molto bene si fece in passato con i suoi Mystic River (Eastwood) e Gone Baby Gone (Affleck).

Cosa potrà mai combinare Tim Burton con l’universo partorito dalla mente di Lewis Carroll? La domanda ronza ormai da mesi nella mente di molti, contribuendo a creare una forte attesa nei confronti del film targato Disney.

Nelson Mandela lo conosciamo tutti e, bene o male, anche la sua terribile vicenda: 27 anni passati in carcere, anni violenti, anni di segregazione razziale, anni nel Sudafrica spaccato a metà dall’apartheid. Una volta liberato e divenuto presidente della Repubblica Sudafricana, la strada sembrava spianata, ma un conto è ottenere un successo personale, un altro è volerlo per una nazione intera.

Soul Kitchen è stata la sorpresa del Festival di Venezia 2009 dove si è aggiudicato il Premio Speciale della Giuria.
Fatih Akin, origini turche, già vincitore di un Orso d’oro a Berlino nel 2004 e Palma d’oro a Cannes 2007 per la sceneggiatura de “La Sposa Turca” è senz’altro uno dei giovani registi più acclamati nel panorama europeo.

Twickenham, 1961.

Jenny ha  sedici anni e la sua vita è interamente dedicata allo studio. E’ sveglia e intelligente ma la provincia londinese le sta stretta: per combattere la noia legge Camus e ascolta Juliette Greco sognando di frequentare l’università di Oxford e poi trasferirsi a Parigi. In un pomeriggio piovoso, il trentenne David le offre un passaggio sulla sua fiammante Bristol. E’ il momento in cui tutto cambia: frequentandolo Jenny viene introdotta alla vita mondana londinese che aveva sempre sognato, e quando lui le propone di sposarlo mette in discussione la necessità di continuare i suoi studi. Piacere o responsabilità? A che pro annoiarsi e faticare quando sposando David può avere una vita di agi, cultura e divertimenti?

Da tempo stanno pubblicizzando l’uscita italiana di un thriller dai risvolti oscuri che ha sbancato i botteghini americani. Sulla falsa riga del fu Blair Witch Project, costato una bazzecola, è arrivato nei cinema il discusso Paranormal Activity e gli amanti del brivido sono già impazienti.

Qualcuno di voi, uscendo dalla sala, potrà affermare: “ma è tutto qui?”. Altri potranno sentirsi leggermente truffati da quelli che, con pubblicità e trailer, li hanno spinti a spendere 7 euro per la visione di questo film. Certo l’opinione personale è importante, ma fermandosi un momento a pensare a questo Paranormal Activity, le impressioni positive superano di certo quelle negative.

Ryan Bingham (Clooney) lavora in una società il cui scopo è quello di licenziare le persone. Sballottato da una parte all’altra degli States, si presenta in un’azienda e, con faccia tosta e disarmante sangue freddo, compie il suo dovere: congeda. Su 365 giorni all’anno, ne passa la bellezza di 320 in giro fra aeroporti, hotel e società che non hanno la spina dorsale di comunicare il fardello del licenziamento. Ormai Ryan è un automa, sa come saltare la fila, come muoversi ai check-in, come divertirsi a spese altrui e come vivere solo, circondato da estranei.

Nella Roma del 1965, il regista di fama internazionale Guido Contini è in piena crisi creativa. Con un nuovo film, Italia, ormai prossimo all’inizio delle riprese, Guido abbandona il set e la conferenza stampa, per fuggire in un Grand Hotel ad Anzio. La pausa diventerà un’occasione per ripensare alla sua vita attraverso il ricordo e l’interazione con le donne che ne hanno scandito le tappe: la madre tipicamente italiana, la prostituta conosciuta durante l’infanzia, la moglie e l’amante, la giornalista di Vogue, la costumista amica-confidente, fino alla diva internazionale protagonista dei suoi film.

Lo scorso anno L’eleganza del riccio è stato il caso editoriale della stagione letteraria:  era quindi prevedibile che ne sarebbe arrivata presto la versione cinematografica.
Stupisce però che a tradurre il libro sul grande schermo sia stata la regista francese Mona Achache, un’esordiente. Per un best-seller è un caso più unico che raro.

Tom Ford debutta alla regia con la trasposizione cinematografica di Un uomo solo di Christopher Isherwood (pubblicato in Italia da Adelphi), romanzo del 1964 considerato una pietra miliare della letteratura queer moderna.

Il film di cui vi stiamo per raccontare è sicuramente uno dei lungometraggi più attesi del primo semestre 2010; una produzione che non può essere catalogata con dei semplici termini, un’idea che ha basi lontane ed uno studio profondo ed accurato da parte del proprio realizzatore.
Avatar è la nuova creazione del pluripremiato regista James Cameron (Alien, Terminator e Titanic vi dicono qualcosa?), il quale, dopo anni di studi, ha scritto e diretto qualcosa di assolutamente sorprendente e spettacolare.

Se pensiamo alla Londra del XIX secolo, senza soffermarci sul suo incalzare maestoso verso la metropoli che diverrà, possiamo scovare anche qualcosa di più torbido, di criminoso. Certo, Jack lo squartatore è un esempio che può saltare alla mente, ma se pensiamo a Scotland Yard ed ai suoi investigatori, la figura di Sherlock Holmes abbaglierà di sicuro il nostro sguardo.

Ai fratelli Coen non importa un fico secco del botteghino. Amano i film difficili e si impegnano al massimo per far rimanere di sasso lo spettatore. Con A serious man centrano in pieno il loro obiettivo. Alla fine della proiezione  infatti una platea incredula si avvia verso l’uscita non avendo nemmeno il coraggio di fare un commento al film. Silenzio e una strana sensazione di smarrimento accompagnano gli spettatori.

Qualcuno timidamente dice che non ha senso, che non c’è una logica, che non esiste una trama. Qualche altro invece si è divertito e ha capito quello che i Coen volevano trasmettere. Probabilmente è solo questione di sensibilità, non è un film complesso o difficile da capire, ma non è così scontato entrare in sintonia con la pellicola.

Katherine Heigl, la Izzie di Grey’s Anatomy, può lavorare solo durante le pause dal popolare telefilm. E negli ultimi tre anni, ha approfittato di queste pause per lavorare ad altrettante commedie romantiche: “Molto incinta”, “27 volte in bianco” ed ora “La dura verità”, puntando al trono di fidanzatina d’America.

“C’è un uomodellestelle che aspetta nel cielo, vorrebbe venire a incontrarci, ma pensa che ci soffierebbe via le menti. C’è un uomodellestelle che aspetta nel cielo, ci hanno detto di non farlo volare via”.

Queste le parole del padre del regista Duncan Jones, nel 1972, dalla canzone Starman. Un anno più tardi un gruppo inglese cercò di esplorarne la sua parte nascosta, i Pink Floyd, ma ancora adesso, 40 anni dopo il primo sbarco, il nostro satellite, la Luna, ispira uomini, fantasie, sensazioni.

Moon, nuovo film di fantascienza, del regista figlio di David Bowie, è qualcosa di asfissiante nella sua linearità, soporifero nei suoi tempi, ma è fantascienza concentrata, è un trattato di ciò che di più bello questo genere possa regalare.

Sul grande schermo c’è qualcosa in cui l’universo femminile trova la sua vera identità. Potreste pensare alle sdolcinate commedie rosa, magari ai drammi materni, ma in realtà dire donna è dire horror. L’Esorcista, Rosemary’s Baby, Profondo Rosso, ne sono un esempio lampante, ed in un certo senso, la sceneggiatrice “volpona” ha voluto omaggiarne il ricordo.

Niente timori reverenziali, questi grandi classici non vengono nemmeno sfiorati dall’ennesima eroina schizzata della provincia americana. Anche le scene non sono così claustrofobiche o paurose come si potrebbe pensare davanti ad un horror, eppure le fondamenta sono solide, il sangue non manca e la co-protagonista Amanda Seyfried è dannatamente brava.