Tutto ebbe inizio con i Fratelli Lumière che nel 1895 presentarono La Sortie de l’usine Lumière, primo film mai girato nella storia, al Salon indien du Grand Café di Boulevard des Capucins a Parigi. Nonostante questo Luoise e Auguste Lumière sono ricordati per lo più per il famoso L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat del 1896 che, si dice, a causa del suo realismo spaventò gli spettatori tanto da farli scappare dalla sala. Da quel giorno il cinema ha subito diverse evoluzioni, acquisì anzitutto il sonoro, successivamente il parlato, il colore fino ad arrivare ai giorni nostri con l’evoluzione digitale.

Nonostante sia trascorso molto tempo il cinema muto rimane il pilastro fondamentale della settima arte e per questo diventa protagonista oggi di un’importante evento. Dopo l’edizione 2010 dedicata alla figura del grandissimo Charlie Chaplin torna a Milano il GRAN FESTIVAL DEL CINEMA MUTO che avrà inizio il 16 novembre e si concluderà poi il 18 dicembre. Quest’anno il tema centrale della manifestazione sarà il nostro Paese, un omaggio al Cinema Muto Italiano degli esordi, omaggio al 150mo anniversario dell’unità nazionale.

Il Festival, ideato e diretto dai Maestri Alessandro Calcagnile e Rossella Spinosa, è promosso dal Gruppo da Camera I Solisti Lombardi e Associazione TEMA insieme a Fondazione Cineteca Italiana.

Non si tratta sicuramente di un convegno per cinefili, la manifestazione infatti si pone l’obiettivo di consentire al pubblico milanese, e non solo, di conoscere o riscoprire l’arte del cinema muto, un’unione di musica, teatro, fotografia, letteratura.

L’evento di apertura avrà luogo  il 16 novembre all’Auditorium di Milano (Largo Mahler, ore 21) con l’esecuzione della partitura sinfonica di Pietro Mascagni per il capolavoro cinematografico Rapsodia Satanica del 1915 che vede tra i suoi interpreti la divina del cinema muto italiano Lyda Borelli.

Importante novità di quest’anno è la sinergica collaborazione con la Cineteca di Milano (Fondazione Cineteca Italiana), che ha reso disponibile il proprio archivio e realizzato un progetto di restauro di tre cortometraggi del 1915 ispirati al Libro Cuore di Edmondo De Amicis poi sonorizzate da Rossella Spinosa. Anche quest’anno non mancherà l’appuntamento con la presentazione del cinema muto dedicato ai ragazzi realizzata direttamente presso alcune scuole elementari della città di Milano.

Altro appuntamento da segnalare è quello del  14 dicembre, presso l’Aula Magna dell’Università Bocconi alle ore 20.30 si svolgerà la presentazione delle pellicole Anita Garibaldi e Cenere, musicate a cura dell’Ensemble I Solisti Lombardi. In quest’occasione è prevista la partecipazione di un testimonial d’eccezione, Teresa Mannino direttamente da ZELIG!

GRAN FESTIVAL DEL CINEMA MUTO

SECONDA EDIZIONE
“PRIMI CIAK DEL CINEMA ITALIANO”

Milano e provincia, dal 16 novembre al 18 dicembre 2011

Per consultare il programma dell’evento: http://www.cinemamuto.it/edizione2011.htm

“Io vado pazza per Tiffany… specie in quei giorni in cui mi prendono le paturnie” (Holly in Colazione da Tiffany)

Anche chi non ha mai visto Colazione da Tiffany sicuramente è in grado di riconoscerne la colonna sonora, le scene chiave, la bellissima protagonista avvolta nel suo elegante tubino nero di Givenchy.

La scena iniziale, con Holly (Audrey Hepburn) che nella New York deserta dell’alba mangia una brioche di fronte alla vetrina di Tiffany, una delle scene più celebri del cinema, ha invaso l’immaginario cinematografico e televisivo riproposta oggi in vari telefilm come Gossip Girl o Glee.

Tratto dal romanzo di Truman Capote, Colazione da Tiffany racconta la storia di Holly, una prostituta d’alto borgo interpretata dall’intramontabile Audrey Hepburn. Il film uscito nelle sale americane nell’ottobre del 1961 divenne manifesto della raggiunta indipendenza femminile e decretò Audrey Hepburn, la sua attrice protagonista, quale icona di eleganza, stile, fascino e modernitá.

A rendere indimenticabile il capolavoro cinematografico di Blake Edwards ha contribuito sicuramente la straordinaria colonna sonora di Henri Mancini, che si è aggiudicata ben due Oscar, ed in particolare la celebre Moon River.

Ora a cinquant’anni dalla prima uscita cinematografica, Colazione da Tiffany, torna sul grande schermo, solo per un giorno, nella sua versione restaurata in digitale 4K grazie a Nexo Digital. Dopo la speciale anteprima al Festival Internazionale del Film di Roma, prevista per venerdì 4 novembre, il pubblico potrà ritrovare tutta l’eleganza e la femminilità della Hepburn in oltre 170 sale italiane il 9 novembre per un’intera giornata. Grazie alle nuove tecnologie digitali anche i più giovani avranno la possibilità di vedere sul grande schermo questo famoso film che ha segnato la storia del cinema e del costume.

Guardando a distanza di tanti anni la bellissima Audrey Hepburn possiamo davvero affermare che  «L’eleganza è la sola bellezza che non sfiorisce mai».

A Milano il film verrà trasmesso presso i seguenti cinema:

• Apollo – www.spaziocinema.info
• Arcobaleno Filmcenter – www.cinenauta.it
• The Space Odeon – www.thespacecinema.it
• Uci Bicocca – www.ucicinemas.it
• Uci Certosa – www.ucicinemas.it
• Ducale – www.cinenauta.it

Per consultare l’elenco completo delle sale che ospiteranno l’evento:               http://www.nexodigital.it/1/id_199/Colazione-da-Tiffany.asp

Quando si dice che un film è tratto da una graphic novel si pensa subito a travestimenti e supereroi. Non è questo il caso di “Tamara Drewe – Tradimenti all’inglese“, tratto dall’omologo fumetto di Posy Simmonds, pubblicato a puntate nel 2007 sul “Guardian“. In questo caso, infatti, ci troviamo di fronte ad una classica commedia all’inglese, densa di humor e storie d’amore.

La vicenda è ambientata nella campagna inglese, lontano dal clamore glamour di Londra, in una residenza per scrittori gestita da un fedifrago autore di grande fama e dalla fedelissima moglie/correttrice di bozze/cuoca, costantemente tradita dal marito con ragazze più giovani, attratte probabilmente dal fascino del romanziere di successo.

La protagonista, Tamara, è una ex brutta-anatroccola trasformatasi in un cigno grazie all’aiuto della chirurgia estetica, tornata nella suo villaggio d’origine dopo la morte della madre con il solo obiettivo di vendere la vecchia casa rimasta vuota. Ovviamente nulla va secondo i piani originari e tra tradimenti, cotte adolescenziali e sesso scaccia-pensieri, i minuti della pellicola scorrono piacevolmente, senza che ce ne si renda conto.

L’architetto di questo film divertente e sofisticato è Stephen Frears (“Le relazioni pericolose”) che è riuscito a riportare magistralmente sullo schermo un fumetto intelligente e appassionante, con solo qualche sbavatura nella sceneggiatura, che non toglie però la gradevolezza della pellicola.

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Tamara Drewe
Regia – Stephen Frears
Cast – Gemma Arterton, Roger Allam, Bill Camp, Tamsin Greig
www.tamaradrewe-movie.com

Siete in carenza di cinema dopo la moria di titoli dell’estate appena trascorsa? Sicuramente questo periodo è perfetto. Nelle sale c’è una scelta incredibile: commedie all’italiana, il ritorno di Nolan e Shyamalan, Cruise e Cameron Diaz insieme, robetta da strofinarsi le mani, ma nulla paragonabile al gradito e bellissimo ritorno di Ben Affleck alla regia (nonché alla sceneggiatura).

Ebbene si, anche il bel ragazzone di Armageddon, è uno che si diletta dietro la macchina da presa. The Town è il suo secondo lavoro, la seconda opera fra le strade violente della Boston già famosa per The Departed di Scorsese. Tutto si apre con una rapina in banca, un lavoro ben congeniato e un gruppo di rapinatori tanto veloci quanto affiatati. Non sono alle prime armi, ma un errore può sempre capitare.

L’errore è che la povera Claire, direttrice della banca, viene presa in ostaggio dalla banda che la utilizza come garanzia di fuga e la libera subito dopo. Qualcosa nel subconscio della ragazza però rimane, ogni gesto di violenza è qualcosa che non se ne va facilmente dai ricordi di una persona. Lo sa la ragazza, lo sa l’Fbi che indaga, lo sanno quelli della banda, tanto che uno di loro viene scelto per tenerla d’occhio, per vedere come reagisce, per controllare se ha dei sospetti.
Doug (Ben Affleck) si offre per questo incarico, è senza dubbio quello con più carisma e più sale in zucca rispetto ai suoi compagni e di sicuro non torcerebbe mai un capello alla ragazza.

Claire è bella, spontanea, semplice, è una cresciuta per strada ed ha quella sorta di fragilità che ad un ladro “gentiluomo” non passa inosservata. Doug riempie i vuoti della sua vita con l’amore per Claire.

Le rapine continuano e le maglie della trama diventano sempre più fitte mentre la polizia è pronta a sfoderare i suoi assi.

Molto bene l’azione e la scelta dei personaggi, conosciuti, ma non famosi. Insomma un poliziesco dallo sfondo drammatico niente male.

Regia: Ben Affleck

Cast: Ben Affleck, Rebecca Hall, Jeremy Renner, Chris Cooper

Web: http://wwws.warnerbros.it/thetown/mainsite/

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Ci si ritrova sempre in una posizione abbastanza complicata quando si vuole recensire un’opera di questo tipo perché si rischia di svelare qualche dettaglio di troppo, uno smacco al lettore che in questo caso potrebbe essere legittimato ad una denuncia (ed io stesso gliene darei ragione).
Dunque, più che alla trama ed alle considerazioni da “salotto marzulliano”, cercherò di soffermarmi su altri aspetti della fascinazione che questa pellicola  regala, come sempre più raramente succede.

Christopher Nolan è forse il regista che meglio di chiunque altro riesce a mantenere un’impronta d’autore anche nelle pellicole ad alto budget, assoggettando gli effetti speciali, sempre più realistici, al proprio lirismo, proiettato in una storia dipinta magistralmente dallo stesso regista, con un’impeccabile sceneggiatura decennale. L’ideatore di Memento (che proprio nel 2000 usciva nelle sale e di cui, in questa nuova opera, si riassaporano le atmosfere), ha impiegato  parecchio tempo per perfezionare il suo progetto. L’idea di base è quella di un controllo dei sogni tramite un’innovativa tecnologia, che permette di entrare nei sogni altrui  per ricavare le informazioni che si desiderano.

Di Caprio in questo film è Cobb, un personaggio ambiguo, che si occupa di “sicurezza del subconscio” in maniera del tutto illegale, su commissione.
Nel suo passato vi è un terribile evento che lo condiziona anche durante i suoi “viaggi”, ma da cui ha la possibilità di liberarsi accettando l’ultimo lavoro. Non si tratterà più di sottrarre informazioni dal subconscio altrui, ma piuttosto di innestare nella mente di un giovane ereditiere un’idea che lo convinca a sgretolare l’impero economico del padre.
“Se io ti dico non pensare agli elefanti a cosa pensi?”
“Agli elefanti!”

I circa 150 minuti del film sono quasi d’obbligo per sviluppare al meglio una trama che, pur intricandosi  ed articolandosi su più livelli, riesce a mantenere costantemente viva l’attenzione.
I paragoni ed i riferimenti si sprecano; alcuni di questi (Matrix, Eternal Sunshine of the Spotless Mind..) costringono il film, suo malgrado, a perdere di originalità in alcuni aspetti che, altrimenti, l’avrebbero di fatto catapultato tra le opere più memorabili di sempre.
Ciò che, a mio avviso, non deve sfuggire è che questo paradosso composto di fisica, chimica, psicanalisi e fisiologia, questo monumento di detriti e leggi di gravità infrante costruito dal signor Nolan é, fra le altre cose, una storia d’amore. Un amore in costante viaggio verso la catarsi.
“Stai aspettando un treno, un treno che ti porterà lontano. Sai dove speri ti porterà, ma non puoi esserne sicura. Ma non importa: perché saremo insieme.”
La Cotillard, è una presenza costante, che affascina e inquieta nel contempo (con qualche rimando più o meno volontario alla Piaf che le valse l’oscar). Ellen Page, ragazzina prodigio di Hard Candy e Juno, trova qui la totale consacrazione con la sua “Arianna” , che richiama alla mente riferimenti mitologici.
Il resto del cast fa egregiamente il proprio dovere, Joseph Gordon-Levitt, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Tom Hardy e, con un ruolo solo apparentemente marginale, Michael Caine.
La capacità di rendere mai casuale ogni singola inquadratura è senz’altro uno degli aspetti più laboriosi del film, così come la metanarrazione genialmente strutturata, che giustifica la lunga gestazione. A tal proposito, forse, la lezione va ad un maestro come James Cameron, il quale con il suo acclamatissimo Avatar non è riuscito  minimamente ad avvicinarsi (pur avendone avuto il tempo) allo spessore emozionale offerto dall’opera di Nolan. Perchè, al di là dell’aspetto meramente visivo, ciò che realmente conta ed incanta è l’idea. E come egli stesso ci insegna, “ l’idea è il parassita più resistente”.

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Inception
Christopher Nolan

Tenebroso, introspettivo, angosciante, è questo The Road, film dello sconosciuto regista John Hillcoat, tratto però da un romanzo ben più noto, tanto da vincere il premio Pulitzer. Cormac McCarthy l’autore, un nome non nuovo all’attento pubblico amante del cinema: da un altro suo romanzo i fratelli Coen vinsero l’Oscar per Non è un paese per vecchi. McCarthy ha sempre scritto di vite vissute al limite, di gente di provincia, di persone abituate a lottare per far valere la propria vita e questo The Road è la quintessenza della lotta, è il desiderio di dire “io esisto, io sono ancora capace di vivere emozioni”.

In un tempo prossimo l’umanità si ritrova avvolta dall’oscurità, La Terra ha tremato ed eventi catastrofici hanno ridotto il mondo che comunemente vediamo a colori, un’immenso poster in bianco e nero. La luce del Sole è sparita, nuvole di polvere e fumo hanno avvolto tutto e tutti, tanto da far esitinguere gli animali e da rendere le piante enormi ammassi senza vita. L’uomo è sopravvissuto, ma a che scopo, con quali speranze e quali prospettive?

La vicenda si focalizza su un uomo (Viggo Motensen) e suo figlio, eremiti senza speranza, ma con qualcosa in cuor loro, che li spinge a proseguire, a vagare per raggiungere il mare e posti più caldi. Ormai non ci sono più forme di energia, il cannibalismo e gli stupri sono all’ordine del giorno e per un padre con un figlio da proteggere le priorità sono il cibo, ancora il cibo e le proprie scarpe. Ogni giorno è sempre più estenuante, i ricordi di un mondo vivo e di una moglie che ha ceduto all’oscurità fanno del padre una persona dall’animo piegato, dalla volontà incredibile, ma dall’umanità ormai dimenticata. Il figlio è l’unica rappresentazione che la gioia sia davvero esistita, lui non ha mai visto cosa c’era prima e la sua esistenza è sempre stata un travaglio, ma in cuor suo ha il “fuoco”, ha ardore, volontà, sogni da voler realizzare.

Il cammino lungo la strada è qualcosa di terribile, spaventoso. Ansia ed angoscia pervadono il viaggio dei due, e contemporaneamente, lo spettatore resta attonito da tanto orrore. Ricordate il celebre monologo del colonnello Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now incentrato sulla razza umana e sul suo lento sfacelo? The Road lo amplia e lo rende visibile agli occhi. Tutto è buio, tutto non ha senso, anche i due protagonisti non hanno un nome e tutte le persone sono viste come un pericolo. Eppure l’umanità sa soffrire, la vita deve continuare e se un bambino è potuto crescere, magari qualcosa si puà ancora sperare.

Magari, ma forse no. Forse non è il peggio ciò che vogliamo?

Regia: John Hillcoat

Cast: Viggo Mortensen, Charlize Theron, Kodi Smit-McPhee, Robert Duvall

Web: www.theroad-movie.com

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Lui è Adam: carino, brillante, molto intelligente e con la passione dell’astronomia, tant’è che ha un planetario in casa e possiede addirittura una tuta da astronauta. Nel suo palazzo si è appena trasferita Beth, un’insegnante aspirante scrittrice di libri per bambini, che cerca di riprendersi dopo una relazione finita male.

Sembrerebbe la solita storia di lui e lei che si incontrano e chissà come andrà, ma ciò che rende particolare questo film, e il rapporto che i due protagonisti lentamente costruiscono, è la malattia di Adam: la sindrome di Asperger, una forma di autismo caratterizzata dall’incapacità di decifrare la comunicazione non verbale, scarsa empatia e un’incredibile difficoltà nell’instaurare rapporti con gli altri.

Max Mayer, come altri registi prima di lui, usa un disagio psichico come metafora per raccontare un tema universale: la difficoltà  di comunicazione e connessione tra le persone che tutti sperimentano nel quotidiano. La storia d’amore tra Adam e Beth ha i suoi punti di forza nella narrazione straordinariamente delicata e poetica che non diventa mai banale o glicemica, e nell’ottima interpretazione dei due protagonisti (Hugh Dancy e Rose Byrne), perfetti nei loro ruoli e in cui risulta facile immedesimarsi. Il racconto è semplice ma d’effetto, grazie anche al ruolo della colonna sonora, ai silenzi eloquenti e all’eleganza della regia, peccato per la scelta di dare spazio ai drammi giudiziari del padre di lei nella seconda parte della pellicola, che non aiutano l’equilibrio narrativo.

Adam, vincitore del premio Alfred P. Sloan all’ultimo Sundance Film Festival, ha anche il merito di non svendersi per andare incontro all’happy ending che fa tanto felice il grande pubblico: il film termina con una scena tenera, commovente e onesta, dando valore alla capacità di migliorare se stessi e maturare attraverso l’esperienza amorosa, che questa sia andata a buon fine o meno.

Cast: Hugh Dancy, Rose Byrne, Peter Gallagher, Amy Irving, Frankie Faison

Regia: Max Mayer

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Tanti ne abbiamo visti: dal cartoon disneyano all’uomo in calzamaglia, dalla parodia fantozziana al melenso ed un po’ costruito film con Kevin Costner. Ora siamo nuovamente al cospetto di una delle leggende più famose al mondo, un fuorilegge che ha saputo imporre più i suoi valori che la sua stessa figura. Tanti ne abbiamo visti, tanti ne dimenticheremo, perché questa è una grande storia.

Dodicesimo secolo, l’Inghilterra ed il suo re Riccardo, il famoso “cuor di leone”, sono da anni impegnati in una lunga e dispendiosa crociata in Terra Santa. Mentre il re e l’esercito combattono, in patria la miseria e le tasse sono ancora più gravose delle continue perdite di uomini in battaglia. Giovanni, fratello più piccolo del Cuor di Leone, vorrebbe la preziosa corona e poter finalmente comandare il regno inglese, ma Riccardo è ancora troppo amato per poterlo desautorare, almeno fino a quando la morte non lo porti con sé in battaglia. La funesta occasione avviene durante il ritorno del re verso casa, in una battaglia ormai vinta, ma quantomai scontata, soprattutto se nelle guerre si è protagonisti, piuttosto che codardi. A far da contrappeso alla brama di potere di Giovanni ecco anche il desiderio di conquista dei francesi, magari sfruttando il doppio gioco e perchè no, l’ingenuità del futuro erede al trono. E Robin Hood, il protagonista della vicenda, dove si nasconde?

La bellezza e la presa che ha sullo spettatore il nuovo film targato Ridley Scott, con protagonista il suo amato Russell Crowe, sta nello spiazzare chi guarda, sta nel raccontare una storia che tutti conoscono, ma nessuno ha mai realmente compreso. Crowe è un soldato, un arciere al servizio del Cuor di Leone, che da dieci lunghi anni non vede la propria patria. Ha in sé ardore, coraggio ed animo nobile, ma solo un colpo di fortuna lo fa entrare dalla porta principale della vicenda: una freccia scalfisce la determinazione del re, una spada ferma il ritorno in Inghilterra di Sir Robert Loxley, ma lui, Robin Longstride, è pronto per giocare la sua partita e far valere gli ideali con i quali è cresciuto.

Incontreremo i verdi paesaggi di Nottingham, personaggi come John “il piccolo”, Fra’ Tuck e la combattiva Lady Marion Loxley, ma quando azione, libertà e patriottismo si uniscono alla straordinaria visione epica del Robin Hood di Ridley Scott, non saranno tanto i singoli nomi a far rivivere la leggenda, ma piuttosto l’unione della gente, la forza della ribellione ad ogni costo. Potremo anche scorgere un’idea de Il Gladiatore, ma la pomposità e la grandezza di quella produzione vengono accantonati per dar risalto alla voce del popolo, per rispolverare un bandito che ha sempre affascinato nella sua semplicità.

Eroe nella testa più che con la freccia.

Regia: Ridley Scott

Cast: Russell Crowe, Cate Blanchett, William Hurt, Mark Strong, Max von Sydow

Web: www.cinema.universalpictures.it/website/robinhood/

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Se non fosse per le straordinarie scenografie ed i costumi, sembrerebbe di trovarsi in una qualsiasi città del mondo civilizzato dell’occidente. Invece è l’ Alessandria d’Egitto del IV secolo D.C. una metropoli disordinata, caotica fra mercati e folle che riempiono queste grandi piazze, circondate da colossali statue, straordinari portici, mentre sul mare troneggia il gigantesco Faro, e sulla sommità di una collina si erge la meravigliosa Biblioteca.

L’impero romano è ormai al declino, ma l’antica saggezza della stirpe greca sopravvive con Ipazia, la scienziata e filosofa, unica erede di Teone, il filosofo che insegnava presso la biblioteca.
Mentre la religione cristiana sta sostituendo i vecchi culti pagani, Ipazia (meravigliosa Rachel Weisz, già Oscar nel 2006)si rifugia nella sua oasi di libero pensiero, di uguaglianza e di accettazione delle diversità, inconsapevole che fra i suoi studenti si nascondono le future autorità della città.

Questi cristiani, i primi cristiani, non sono martiri come siamo abituati a ricordarli nei vecchi “peplum”. Li abbiamo visti sbranati dalle belve dell’arena sotto gli occhi divertiti degli imperatori, o nascondersi in anguste catacombe, perseguitati  e scacciati dalle città. Qui sono invece intolleranti, astuti, e soprattutto feroci. Sopprimono con la forza i vecchi culti, osteggiano anche gli ebrei, si insinuano nei meandri del potere, ed eliminano fisicamente ogni cosa o persona che non possono sottomettere. Ipazia tenta disperatamente di salvare le opere della biblioteca dall’incendio, appiccato dai monaci parabolani, per poi finire ella stessa vittima della ferocia di un oscurantismo nato ben prima del Medioevo, come siamo abituati a ritenere.

La regia di Amenabàr pecca probabilmente in alcuni punti, dove sembra di assistere ad un documentario storico, piuttosto che ad un film. Ma qui è ben altro che viene alla luce: il rapporto fra la donna e la scienza, e fra essa e la religione. La libertà che soccombe, ieri come oggi, davanti all’autorità che ribadisce sé stessa nel potere punitivo. Ipazia è una martire che la storia ci ha tenuto nascosta per molti anni, e, per una volta, a farsi il segno della croce è il carnefice invece della vittima. Gradevole da vedere, ed indispensabile, direi, in tempi come questi.

Agorà
Con: Rachel Weisz,  Max Minghella, Oscar Isaac
Regia: Alejandro Amenabar

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“…magari l’Islanda, per vedere i Sigur Rós, è uno dei sogni che vorrei realizzare nella vita.”

Il sogno di Ashkan è lo stesso di molti suoi coetanei, se a sentirlo quasi ci stupiamo è perché dell’Iran più moderno si sa ben poco e ci vengono mostrate sempre le stesse cose: la repressione del regime, le manifestazioni, gli scontri in piazza, la condizione delle donne. Bahman Ghobadi, sposta l’attenzione dal Kurdistan delle precedenti opere alla metropoli di Teheran, portando alla luce in questo film documentario una realtà nascosta: quella dei giovani musicisti ostacolati dal governo.

Ashkan e Negar sono finiti in prigione perché hanno dato vita ad un gruppo non gradito alle istituzioni, ora che sono usciti vogliono formare una band indie rock, progetto irrealizzabile nel loro paese. Per portarlo avanti hanno bisogno di Nader, tuttofare con una gran parlantina e conoscenze utili per ottenere visto, passaporti falsi e fuggire a Londra. Per la coppia Nader diventa una vera e propria guida nel panorama della musica underground iraniana, seguendo il trio alla ricerca di altri musicisti con cui formare la band facciamo il giro dei luoghi dove i giovani amanti della musica sono costretti a nascondersi: scantinati, tetti, addirittura una stalla (e le mucche con cui la condividono non sembrano gradire la compagnia)! Sono disposti a sfidare i costanti pericoli per portare avanti la loro passione, ma ingannare le autorità non è così facile come sperano.

Il titolo metaforico è ispirato ad una legge: così come cani e gatti non possono essere portati fuori casa, allo stesso modo i musicisti sono privati della libertà e devono nascondersi per suonare. Mentre i vari gruppi clandestini si esibiscono, la cinepresa non segue più in maniera realistica i personaggi: il montaggio cambia e accompagna a tempo i brani, mostrandoci immagini significative di donne, bambini e dei bassifondi della città quasi fossero dei videoclip. Il regista riesce nel suo intento di trasmetterci la forza, l’energia e la vitalità di questi artisti che non si arrendono alla volontà di chi giudica la musica impura in quanto fonte di allegria e gioia. Non c’è facile retorica né commiserazione per la condizione della società iraniana, ma fierezza e un amore dichiarato per il proprio paese. Ironia e dramma si alternano, smorzandosi a vicenda, e il film mantiene un tono leggero che mette in risalto la drammaticità del finale. I protagonisti non sono attori ma veri musicisti, è dopo averli conosciuti ed essersi appassionato alla loro storia che Ghobadi ha concepito la sceneggiatura insieme alla compagna Roxana Saberi e Hossein Mortezaeiyan; l’unico attore professionista è Hamed Behdad, bravo ma un po’ troppo parodistico nel ruolo di Nader.

I gatti persiani è ben strutturato ma non perfetto, ha qualche lungaggine, il doppiaggio italiano è pessimo, ma ha un significato politico di denuncia che va considerato accanto al valore artistico. Ha vinto il premio speciale della giuria nella sezione Un Certain Regard allo scorso Festival di Cannes, e il film stesso è una testimonianza di quanto sia difficile fare cultura in Iran: è stato girato in soli 17 giorni senza le autorizzazioni governative, il regista è stato arrestato durante le riprese e ha potuto finire il suo lavoro solo corrompendo i funzionari della polizia. Sicuramente non verrà distribuito in patria ma Ghobadi ha dato il permesso per distribuirlo gratuitamente per strada, in modo che più gente possibile venga a conoscenza di questa realtà, perché “l’Iran è come una giovane ragazza bella, intelligente, dinamica, cui è stato fatto indossare un pesante chador e occhiali scuri. La sua immagine non è moderna, non è attraente. Ma sotto quegli abiti è ancora lei, e merita di essere scoperta”.

Regia: Bahman Ghobadi

Cast: Hamed Behdad, Ashkan Koshanejad, Negar Shaghaghi

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