Ancora mi stupisco della bravura di Lella Costa che per un’ora e mezza parla, racconta, ricorda, interroga. E alla fine, mi chiedo: ma come fa? Se incontrate la signora Costa per la strada, guai a voi domandarglielo: “sarebbe come stupirsi che un pilota di Formula 1 abbia la patente!” e non avrebbe tutti i torti….Dalla memoria alla maternità, dalle guerre di coppia al problema della diversità, dal dramma alla commedia: Arie è un’antologia degli spettacoli messi in scena dal 1989 al 2005.

Lella Costa in "Arie" 2012

E ho piacevolmente ritrovato “Alice”, monologo visto al Piccolo Teatro nel 2005 e di cui ho apprezzato, come la prima volta, la bella immagine della corsa a perdifiato della regina e di Alice, che corrono corrono per ritrovarsi nello stesso identico punto da cui sono partite. “Ma siamo nello stesso punto di prima!” ansima Alice. “Perché?” -risponde la Regina-”dove dovremmo essere?” “Al mio paese , se corri molto e per lungo tempo come abbiamo fatto, dovresti arrivare da qualche parte” replica stupita la ragazza. “Una ben lenta specie di paese!” disse la Regina.” Ore, qui, come vedi, correndo finché puoi, resti nello syesso posto. Se vuoi andare da qualche parte, devi correre almeno due volte più veloce di così!”

Lella Costa in "Alice" - 2005

Al Teatro Carcano, fino al 29 gennaio: per chi si chiede dove vuole arrivare e per chi prova ammirazione della bravura di un’ora e mezza ininterrotta di monologo.

Per info e acquisto dei biglietti:

www.teatrocarcano.com

Sogno di una notte di mezza estate: Shakespeare secondo Quelli di Grock.

“Per saper che la realtà / spesso non è verità: / sognate. Sognate”.

C’è tutta la suggestione del solstizio d’estate nelle luci arancio e nei notturni blu. Fiabesco nei costumi e classico nelle scenografie, il Sogno di una notte di mezza estate di Quelli di Grock è proprio così: rispettoso e reinterpretato allo stesso tempo.

Tradizionale negli attori cui spettano più ruoli, nel linguaggio dei dialoghi tra amanti o per certi versi negli esilaranti commedianti (quelli della rappresentazione nella rappresentazione) che sembrano davvero usciti dal secolo di Shakespeare. Nuovo nelle fate sinuose, nel demone zoccoluto di Puck e in quel teatrare che si fonde con il pubblico.

Agli attori storici si affiancano le giovani leve. Si sorride, ci si sospende all’improvviso per un istante di poesia e si sorride ancora. Per una serata che offre in sintesi quel che al teatro si chiede: Sogno.

Sogno di una notte di mezza estate (W. Shakespeare) Quelli di Grock – www.quellidigrock.it

Teatro Leonardo da Vinci, fino al 15 gennaio e con serata speciale in occasione del Capodanno Via Ampère 1, ang. Piazza Leonardo da Vinci 20131 Milano Tel: 02 26.68.11.66 / www.teatroleonardo.it

METROPOLITANA: MM2 (verde) – fermata Piola AUTOBUS: 39 oppure 62 (fermata Viale Romagna Piazza Piola) TRAM: 23 e 33

Un altro grande classico: dopo Agatha Christie, ora è la volta di Luigi Pirandello che insieme a Totò da’ vita a “Fantasmi”. Il teatro Carcano prosegue la stagione con la messa in scena dei due racconti del drammaturgo siciliano “L’uomo dal fiore in bocca” e “Sgombero”, montati con il testo di Franco Scaldati “Totò e Vicé” secondo la riscrittura dei registi e attori Enzo Vetrano e Stefano Randisi, in scena con Margherita Smedile. Si parla di sogni, di vita e di morte, quei grandi interrogativi che grazie alla leggerezza di due scemuniti ma geniali Totò e Vicé attraversano testa e cuore senza far male: il pezzo più ispirato è quello dei due barboni, che vagano lungo una ferrovia un po’ come Totò e Ninetto in “Uccellacci e uccellini” o come Vladimir ed Estragon in “Aspettando Godot”. Si ritorna proprio lì ad un assurdo, surreale momento che resta sospeso tra il palco e la poltrona e lascia modo di vagare dentro le proprie riflessioni. Le luci soffuse aiutano a creare questa atmosfera, insieme alle silhouettes create dietro il telo bianco sul fondale ed usate per tutte e tre le parti, con una insistenza non sempre convincente. Fino al 18 Dicembre.

FANTASMI - Totò (Stefano Randisi) e Vicé (Enzo Vetrano)

Teatro Carcano
corso di Porta Romana, 63 – 20122 Milano
Tel. biglietteria 02/55181377 – 02/55181362
Tel. uffici 02/5513211 – Fax 02/55181355
info@teatrocarcano.com

METROPOLITANA: MM3 (gialla) – fermata Crocetta
AUTOBUS: 77 e 94
TRAM: 16 e 24

Un palco, una sedia, un grande attore e un testo memorabile. Questo è teatro.

Ed è al teatro, ai teatranti, ai sognatori ma non solo che Corrado D’Elia dedica la sua ultima opera in scena al Teatro Libero, il Don Chisciotte, diario intimo di un sognatore,  un’emozionante monologo che prende spunto delle avventure del famoso cavaliere spagnolo ma che spazia tra riflessioni sulla vita, l’amore, il tempo,il viaggio, la servitù, la pace e la guerra.

Ogni pagina, ogni verso, ogni parola del testo di Cervantes può dare il via a un turbinio di pensieri su grandi temi, sorretto dalle parole di grandi autori come Gautier, Pessoa e Saffo, che si insinuano nel testo senza farsi riconoscere.

Lo spettacolo, che vede in scena il solo straordinario D’Elia, vestito da aviatore e circondato da libri appesi, alterna tre momenti: la rilettura e il racconto degli episodi più avvincenti del romanzo di Cervantes, con la fugace apparizione di tutti i celebri personaggi (dal divertente Sancho Panza all’amata Dulcinea), una meditazione su grandi temi e una sorta di diario di bordo, scritto dal protagonista e dal suo assistente nei mesi di preparazione dello spettacolo.

Da questo diario di bordo si evince che il Don Chisciotte è uno spettacolo in divenire, che ogni sera e ad ogni rappresentazione cambia, si evolve, si allunga o si accorcia, non è mai uguale al giorno precedente.
È uno spettacolo che fa riflettere e invoglia gli spettatori a diventare o a ritornare quei sognatori che vengono continuamente evocati; è un richiamo ad uscire dall’indifferenza che ci attanaglia, a unirci in un’utopica fratellanza e lottare per la pace.

La scelta di costruire lo spettacolo intorno al personaggio di Don Chisciotte è soprattutto per la sua pazzia, evocata più volte da D’Elia, che dedica il suo spettacolo ai reietti, agli esclusi; lo stesso autore si chiede cosa sia questa pazzia, se nasca dal “seguire i propri sogni o seguire quelli degli altri”. Il legame e l’oscillazione tra sogno e follia è il leitmotiv dello spettacolo e del romanzo, per la loro capacità di fondersi in maniera perfetta solo nei grandi uomini.

Il tutto è condito da intermezzi musicali da brividi e da una lettera finale dell’attore al suo “maestro”, una lettera che è soprattutto un’eterna dichiarazione d’amore al suo mondo: il teatro.
Grandi emozioni.

Compagnia Teatri Possibili presenta Don Chisciotte,diario intimo di un sognatore, progetto e regia di Corrado d’Elia, da Miguel de Cervantes, con Corrado d’Elia.

Teatro Libero, via Savona 10, Milano

Dal 21 giugno al 17 luglio
da lunedì a sabato ore 21.00
domenica ore 16.00

Fin da ora sono state aggiunte ben 10 repliche straordinarie per accontentare tutti gli spettatori: oltre al consueto orario delle 21.00, in molti giorni della settimana lo spettacolo verrà replicato anche alle ore 22.30.

Per informazioni e prenotazioni:
tel. 02-8323126
e-mail: biglietteria@teatrolibero.it

Biglietti
Intero: 21,00 €
Under 26: 17,00€
Over 60 e possessori TP CLUB: 13,00€

Scontato sottolineare il rimando a Dante nel titolo ma non così scontato sarebbe spiegarne il motivo: in che modo la compagnia di ballo di Emio Greco ha interpretato la Divina per creare la propria Commedia?

Entro nell’oscuro salone dell’Hangar Bicocca e cerco un posto a sedere tra gli ormai pochi spazi sul pavimento lasciati liberi dalle anime accorse alla prima mondiale, che si è svolta proprio qui, a Milano. Accovacciata per terra lascio da parte la ricerca di una sedia per immergermi in questa originale –un po’ scomoda- visione. Davanti al primo grande palazzo celeste di Kiefer un presentatore circense introduce i sette ballerini, come sette sono i peccati da loro interpretati e sette i giorni in cui è scandito il viaggio. Al centro di questo circo, immaginario e minimalista, isolato da tutto c’è l’arco luminoso da vaudeville sotto il quale sfilano i ballerini con colorati e sgargianti costumi prima di iniziare a comporre le loro coreografie.

La Commedia corpo di ballo © Agostino Osio

Il ritmo si accende tiepido sulle note sincopate del primo pezzo, si rende più dolce e poi cresce sempre più virtuosamente scaldando l’atmosfera. Bravissimi i protagonisti, ineccepibile la coreografia.
La danza è una delle arti contemporanee che fatica a trovare spazio: applausi per l’iniziativa, che mi auguro si ripeta, ma un Virgilio che avesse guidato a districare la simbologia dell’opera non mi sarebbe apparso fuori luogo.

Per essere sempre aggiornati sulle iniziative dell’Hangar Bicocca:

www.hangarbicocca.it

Chi ha perso la prima all’Hangar può vedere “La commedia” a Torino Danza , il prossimo Settembre.

http://www.torinodanzafestival.it/?p=1049

Un palco, una sedia, un grande attore e un testo memorabile. Questo è teatro.

Ed è al teatro, ai teatranti, ai sognatori ma non solo che Corrado D’Elia dedica la sua ultima opera in scena al Teatro Libero, il Don Chisciotte, un’emozionante monologo che prende spunto delle avventure del famoso cavaliere spagnolo ma che spazia tra riflessioni sulla vita, l’amore, il tempo,il viaggio, la servitù, la pace e la guerra.

Ogni pagina, ogni verso, ogni parola del testo di Cervantes può dare il via a un turbinio di pensieri su grandi temi, sorretto dalle parole di grandi autori come Gautier, Pessoa e Saffo, che si insinuano nel testo senza farsi riconoscere.

Lo spettacolo, che vede in scena il solo straordinario D’Elia, vestito da aviatore e circondato da libri appesi, alterna tre momenti: la rilettura e il racconto degli episodi più avvincenti del romanzo di Cervantes, con la fugace apparizione di tutti i celebri personaggi (dal divertente Sancho Panza all’amata Dulcinea), una meditazione su grandi temi e una sorta di diario di bordo, scritto dal protagonista e dal suo assistente nei mesi di preparazione dello spettacolo.

Da questo diario di bordo si evince che il Don Chisciotte è uno spettacolo in divenire, che ogni sera e ad ogni rappresentazione cambia, si evolve, si allunga o si accorcia, non è mai uguale al giorno precedente.
È uno spettacolo che fa riflettere e invoglia gli spettatori a diventare o a ritornare quei sognatori che vengono continuamente evocati; è un richiamo ad uscire dall’indifferenza che ci attanaglia, a unirci in un’utopica fratellanza e lottare per la pace.

La scelta di costruire lo spettacolo intorno al personaggio di Don Chisciotte è soprattutto per la sua pazzia, evocata più volte da D’Elia, che dedica il suo spettacolo ai reietti, agli esclusi; lo stesso autore si chiede cosa sia questa pazzia, se nasca dal “seguire i propri sogni o seguire quelli degli altri”. Il legame e l’oscillazione tra sogno e follia è il leitmotiv dello spettacolo e del romanzo, per la loro capacità di fondersi in maniera perfetta solo nei grandi uomini.

Il tutto è condito da intermezzi musicali da brividi e da una lettera finale dell’attore al suo “maestro”, una lettera che è soprattutto un’eterna dichiarazione d’amore al suo mondo: il teatro.
Grandi emozioni.

Compagnia Teatri Possibili presenta Don Chisciotte, progetto e regia di Corrado d’Elia, da Miguel de Cervantes, con Corrado d’Elia.

Teatro Libero, via Savona 10, Milano
Dal 21 giugno al 17 luglio
da lunedì a sabato ore 21.00
domenica ore 16.00
Biglietti
Intero: 21,00 €
Under 26: 17,00€
Over 60 e possessori TP CLUB: 13,00€
Prenotazioni
www.teatrolibero.it o chiamando allo 02 832312

Illusione, gelosia, abbandono, tradimento sono le parole chiave che aprono lo spettacolo Don Giovanni a mosca cieca, correndo come un “fil rouge” in tutta la durata della rappresentazione.

Noi di Aftersix l’abbiamo visto per voi al suo debutto milanese nell’atmosfera accogliente del Teatro Litta. Il nuovo spettacolo di Silvia Giulia Mendola riporta in scena l’opera in atti unici “Anatol” di A.Schnitzler, regalando al pubblico suggestioni e colpi di scena, fino al culmine di un finale inatteso.

Anatol/DonGiovanni è un uomo contemporaneo, alle prese con la sua crisi interiore di fronte all’amore, un sentimento che non ha mai veramente provato. In balia delle sue vicende amorose, si ritrova incapace di scegliere: bramando tutte le donne non è in grado di amarne veramente una.

Alla disfatta delle sue storie con quattro diverse donne, Anatol è convinto a partire per “cambiare vita”. A trattenere il protagonista è il suo migliore amico Max, controparte riflessiva nel ruolo della sua coscienza, che gli propone un scommessa attivando il gioco della “mosca cieca”.

In un rocambolesco animarsi di giochi amorosi, il protagonista rivive in successione le quattro storie del suo passato. Partendo ogni volta dall’illusione sognante dell’approccio, Anatol attraversa volta per volta la gelosia, l’abbandono e il supposto tradimento, confrontandosi con le sue donne che, solo all’apparenza, risultano indifese. Sono invece loro le vere trionfatrici, costringendo il protagonista a confrontarsi volta per volta con sentimenti forti a lui sconosciuti.

In un vortice di danze sensuali e rivelazioni inattese, in scena prende forma l’intima difficoltà di Anatol, con un ribaltamento di ruoli che fa magicamente uscire allo scoperto tutto lo sconforto e il disagio che affollano il suo animo.

Una catarsi improvvisa che, una volta gettate via le maschere, permetterà al protagonista di riconciliarsi col suo vero io.

Don Giovanni a mosca cieca

da “Anatol” di Schnitzler

di Corrado Accordino

regia: Silvia Giulia Mendola

Teatro Litta

Corso Magenta, 24

dal 14 giugno all’8 luglio

www.teatrolitta.it

Moni Ovadia ha un grande talento, quello di raccontare storie. E’ un narratore di incredibile fascino, un umorista che ama autodefinirsi ‘pusher di umorismo ebraico’.

Per soli tre giorni è in scena al Teatro Libero dove porta gli spettatori in un viaggio fatto di storie antiche, racconti che ora ci sembrano così lontani perché completamente estirpati dal mondo moderno.

Moni parla di spirituralità ebraica e ci fa ridere con aneddoti divertenti che appartengono al mondo khassidico e che non ci abbandonano anche dopo essere usciti dal teatro. I racconti infatti si aggrappano a quello che di spirituale è rimasto in noi e stanno lì, a guardare cosa ne faremo. Il tesoro che lascia Moni Ovadia trascende dal teatro, va al di là dell’arte, potrebbe renderci persone migliori.

Ascoltiamo le storie degli ebrei dell’Europa dell’Est, da dove proviene Moni, della Palestina, di Israele e ad ogni parola capiamo quanto sia semplice andare oltre i confini nazionalistici.

Parla di Don Andrea Gallo, l’amatissimo ‘prete da marciapiede’, suo amico e maestro di vita, cita Talleyrand de Chardin, teologo cattolico, “Non siamo esseri materiali che vivono un’esperienza spirituale. Siamo esseri spirituali che fanno un’esperienza materiale”. Spiega il suo essere agnostico, racconta l’ebraismo, parla di Suor Marie Keyrouz, una religiosa libanese con una voce che è stata ‘una delle emozioni più forti della mia vita’.  Un miscuglio di religioni e di storie che possono andare solo in una direzione, quella della pace.

Un uomo da solo, un palco spoglio, un leggio che regge un grande quaderno e un tablet. La voce di Moni ci guida sapientemente e ci incanta in un viaggio straodrinario che ci renderà più consapevoli. Sappiamo che è un artista, un attore, un cantante, ma ci sembra un amico o un fratello. Una guida che non vogliamo lasciare andare per nessun motivo. E tra citazioni, poesia, racconti e canzoni i novanta minuti dello spettacolo scorrono via in un attimo.

Non ci basta l’interminabile applauso, non ci basta il bis. Ne vogliamo ancora, al più presto.

Moni Ovadia
Il registro dei peccati
Teatro Libero – sito
Informazioni, prenotazioni e acquisto telefonico: tel. 02-8323126
20, 21 e 22 aprile 2011

Le domande profonde dell’uomo si addicono alle ore vespertine e alle stagioni fredde, che inducono la riflessione e lo stato di malinconica pensosità, piuttosto che alle ore e ai momenti caldi dell’anno. Ecco che il sogno di Jon Fosse non può che sopraggiungere d’autunno (nella finzione e non nella realtà!) e non in mezzo all’estate come il famoso sogno di Shakespeare: Reve d’autonme è una densa e cupa riflessione sull’amore, la vita e la morte scritta dal drammaturgo norvegese nel 1998. Oggi Patrice Chereau lo porta in scena al Piccolo Teatro -Teatro Strehler dove è in cartellone da venerdì 1 fino a domenica 10 Aprile.

Entrando in sala, l’imponente e rigorosa ed in parte austera scenografia conquista subito l’attenzione; la parete bordeaux che taglia di traverso il palcoscenico ricrea la sala del museo del Louvre dove nel 2010 aveva debuttato e che è citata dalle tele di grandi dimensioni appese ai muri e dai quadri intravisti dalle porte di passaggio verso altre, immaginarie sale museali. Il cimitero, che nella fantasia di Fosse faceva da sfondo alla pièce, è stato trasformato da Chéreau con l’aiuto dello scenografo Peduzzi in uno spazio museale: le allusioni ai morti, al tempo passato e a quello futuro giocano uno straniamento visivo per l’accostarsi e scontrarsi di parole che raccontano di uno spazio differente rispetto a quello visto dallo spettatore. Il vuoto del museo-cimitero riecheggia le parole cadenzate e potenti degli attori e associa i corpi morti ai corpi dell’arte (artisti e opere): forse l’arte è morta e non ce ne rendiamo conto? Forse si dovrebbe imparare a guardare meglio quello che ci sta di fronte e vedere quello che c’è in fondo, alla fine? Cupa la riflessione e sicuramente affatto gioioso è il messaggio che ci vuole trasmettere Fosse e con lui Chéreau, perché, come si narra, tutto incede lentamente verso una sola certezza.

La trama
Un Uomo (Pascal Greggory) e una Donna (Valeria Bruni Tedeschi) si ritrovano quasi per caso al cimitero; apparentemente estranei, i due personaggi sono amanti e l’incontro è occasione per parlare della loro relazione, dell’ex moglie di lui, della possibilità di un futuro insieme. La narrazione dei fatti non ha una logica temporale scandita, che gioca con il sovrapporre le situazioni e condensare lo sviluppo della storia. Dopo che i due sono raggiunti dai genitori di lui, al cimitero per la sepoltura della nonna, il dramma avanza sui problemi causati dal divorzio e dalla nuova relazione attraverso i discorsi dei quattro personaggi mentre poco è lasciato al movimento scenico.

Rêve d’automne
Spettacolo in francese con sovratitoli in italiano
Piccolo Teatro Strehler
dall’1 al 10 aprile 2011

Per informazioni e prenotazioni
Il Servizio di biglietteria telefonica del Piccolo Teatro risponde all’848800304 (chiamata ad addebito ripartito) tutti i giorni feriali con orario continuato dalle 10.00 alle 18.45; la domenica dalle 13 alle 18.30 . Nelle festività il servizio è attivo dalle 10 alle 17 se è previsto uno spettacolo in giornata.

Molte sono le promozioni in corso: da controllare sul sito:
http://www.piccolocard.it/?teatro=teatrali&musica=1718&mp3=954&utm_source=piccolo&utm_medium=home&utm_campaign=R%EAve+d%92automne+%28Sogno+d%92autunno%29

Per parlare di Mamma mia! non si può che partire da una considerazione generale che prescinde dal singolo allestimento: Mamma mia! non è un bel musical.
Certo, sulle canzoni non abbiamo nulla da ridire (e per questo ringraziamo gli ABBA), ma tutto il resto rientra nella mediocrità: la scenografia è essenziale, i costumi sono – salvo qualche eccezione – ordinari e la trama è banalotta.
Mamma mia! non può quindi essere annoverato tra i capolavori del genere, ma può tuttavia risultare divertente e godibile per lo spettatore, come del resto dimostra il successo al botteghino della versione cinematografica del 2008.

La produzione nostrana di Mamma mia! in scena al Nazionale non segna ovviamente un’eccezione rispetto a quanto detto sopra, con in più una pecca che non mancherà di deludere i fan accaniti degli ABBA: la traduzione in italiano dei testi delle canzoni, vera nota dolente dell’allestimento. La traduzione permette certamente di seguire meglio lo svolgersi della trama, ma frustra il coinvolgimento empatico, scadendo di tanto in tanto nel ridicolo: allo spettatore verrebbe voglia di cantare i brani insieme all’attore in scena, ma si ritrova invece spesso a ridacchiare per come sono stati resi nella nostra lingua. Non vogliamo mettere in dubbio le doti di Stefano d’Orazio come traduttore (sarebbe stata una sfida quasi impossibile anche per uno come Mogol), ma il problema è proprio nella scelta produttiva che sta alla base dell’operazione.
Due le possibili soluzioni: o si cantano in inglese, fregandosene della traduzione di Stefano d’Orazio (rischiando magari il linciaggio da parte delle maschere del teatro), o, col tempo, si imparano anche i testi in italiano.

Sul piano degli attori, un plauso senza riserve va a Chiara Noschese e a Lisa Angelillo, che ci regalano due strepitose Donna e Tanya (in particolare la Noschese non fa rimpiangere la Meryl Streep del film – e non è roba da poco).
All’opposto troviamo invece lo Sky di Giuseppe Verzicco e la cricca di giovani comprimari, che sembrano trovarsi in un recital da oratorio (o in uno spettacolino da villaggio vacanze) più che in una super produzione internazionale.
Giudizio in sospeso per Elisa Lombardi (Sophie), Luca Arcangeli (Sam) e Giada Lorusso (Rosie), a tratti macchiettistici e poco convincenti nei loro personaggi, ma con l’augurio di riuscire a entrare meglio nella parte, sorpassata magari l’ansia da debutto (sperando fosse quella la causa).

Mamma mia! è una macchina con un buon potenziale, ma che per il momento resta ancora inespresso in molti punti dello spettacolo, soprattutto nel secondo atto, più denso di duetti e di brani riflessivi e malinconici.
Le scene degne di menzione sono l’interpretazione di Dancing queen da parte delle tre Dynamo, la sequenza corale che chiude il primo atto con Voulez-vous e la presentazione finale degli attori con il bis di Dancing queen, seguita da Waterloo (almeno questa in inglese). Le doti vocali di Chiara Noschese brillano in Chi vince porta via (The winner takes it all), di cui dà un’interpretazione commovente, che purtroppo non riesce a colpire fino in fondo – ancora una volta – per la traduzione del testo.

C’è infine un elemento che potrebbe aiutare lo spettacolo a esprimere meglio il potenziale: il pubblico in sala. Ebbene sì, proprio tutti gli spettatori seduti sulle seggiole del Nazionale, perché Mamma mia! non richiede la tradizionale fruizione a cui siamo abituati nei teatri milanesi: questa non è una prima alla Scala, ma uno spettacolo che viene diretto da Broadway e dal West End, dove il pubblico partecipa attivamente battendo le mani, dimenandosi sulle poltrone e – perché no? – cantando. Quindi, per una volta, lasciate a casa abiti da sera e stole (ne abbiamo avvistate una buona dose nella platea del Nazionale) e pensate piuttosto di andare a passare una serata in allegria a un concerto o a una festa con amici.

Mamma mia!
Dal 24 settembre 2010
Teatro Nazionale
Piazza Piemonte 12

Orari spettacoli:
dal martedì al venerdì: 20.30
sabato e domenica: 15.30 – 20.30

Sito ufficiale